JAZZ XXI

Esperanza por Spalding

2009-05-05T10:27:00.007-03:00

Lançado em 2008 pela gravadora Heads Up, Esperanza é o segundo álbum da baixista e cantora Esperanza Spalding como líder. Nascida em 1984, em Portland, no estado americano de Oregon, Spalding teve contato com o baixo acústico pela primeira vez aos 15 anos de idade e com meses de prática foi considerada um prodígio. Em 2005 já era admitida como instrutora na Faculdade Berklee de Música em Boston. No ano seguinte lançou seu primeiro álbum liderando o seu trio de jazz. Em seu segundo e mais recente trabalho, intitulado Esperanza, Spalding atua com diversas formações instrumentais que abrangem o duo, o trio, o quarteto e o quinteto (se não contarmos as vozes adicionais em algumas faixas), o que permite um panorama multifacetado ao álbum, que conta ainda com a líder cantando em diferentes idiomas: português, inglês, espanhol, além do idioma característico do jazz, o scat singin'. Mesmo para quem não é tão aficionado por vocal jazz, como eu, este álbum é altamente recomendável e pode se tornar algo difícil de parar de ouvir. Descubra o porquê no desenrolar desse texto.

"Ponta de Areia", composição de Milton Nascimento e Fernando Brant, é a faixa de abertura do álbum, revelando desde o início que a concepção de todo o trabalho está em conciliar jazz com um toque de latino-brasilidade. A seção rítmica merece muito do crédito por essa canção ser executada de maneira tão bem sucedida, uma vez que o percussionista Jamey Haddad proporciona o balanço requerido, o baterista Otis Brown marca o tempo sem grandes variações, mas é a sintonia e a harmonia entre o piano de Leo Genovese e o baixo de Esperanza Spalding que faz o favorável diferencial. Há uma complementaridade entre os dois instrumentos que dá uma maior consistência à canção, como pode se perceber tanto na condução rítmica quanto no solo de Genovese. Como se não bastasse tudo isso, ainda há a bela voz adaptável de Spalding, que consegue variar competentemente entre os tons mais graves e os agudos. Cantando em língua portuguesa, Spalding não conseguiu se livrar do sotaque inglês, e curiosamente sua pronúncia remete, por vezes, ao português falado na Europa e não no Brasil.

Em "I Know You Know" o baixo de Spalding deixa bem claro a marcação do tempo, o qual é seguido com precisão por Brown na bateria e Haddad com sua percussão. Cabe ao piano de Genovese fazer a dupla função de acompanhar a seção rítmica em um primeiro momento e, a partir daí, expandir o tema melódico em acompanhamento ao canto de Spalding, enquanto pontua cada verso da composição. O tema da canção é uma mulher que não cansa de declarar o seu amor em um refrão grudento ("You already know/ But I'll sing it again/ I love you babe/ And nothing/ Will take me away/ I know that you know ...") a um homem hesitante e inseguro com o qual já teve um relacionamento no passado. A interpretação vocal de Spalding é cheia de um balanço contagiante que tempera a canção com uma vibração repleta de qualidades.

"Fall In" é uma balada romântica conduzida pelo piano de Genovese tendo unicamente como acompanhamento o canto vocal de Spalding, que por sua vez demonstra muita consistência no uso de sua voz. O refrão ("Don't worry if we fall in love/ We will never touch the ground/ Just fall into a dream"), bem como outras estrofes da letra, revela uma voz apaixonada disposta a convencer (e a se convencer) a viver plenamente o seu amor.

A canção "I Adore You" é ritmicamente levada pela percussão de Haddad em batidas tipicamente afro-latinas combinadas à bateria cheia de swing de Horacio Hernandez, o qual consegue tirar um som mais dançante de seu instrumento, além das vozes adicionais ao canto principal de Spalding, que são: Gretchen Parlato, Thereza Perez e Otis Brown. Apesar de cantada, a canção não tem uma só palavra, pois as vocalizações são de improvisos ao estilo scat singin' latinizado. Destaca-se mais uma vez a complementaridade entre o baixo de Spaldinge o piano de Genovese criando uma unidade consistente tanto quando ambos trazem seus instrumentos para o primeiro plano da canção durante o dueto sem canto, quanto quando fazem o acompanhamento às vozes que dão energia e impulsionam o trabalho.

"Cuerpo y Alma" é a versão traduzida para a língua espanhola de "Body & Soul", composta por Green, Heyman e Sour. Esse standard do jazz começa com uma introdução do baixo de Spalding, que dita o ritmo para a entrada da bateria de Brown e do piano de Genovese. A formação em trio funciona muito bem nesta faixa, porque todos os instrumentos encontram seus espaços, o que proporciona uma sinergia harmônica, tal qual se pode perceber nos momentos em que o baixo de Spalding assume o papel de protagonizar as ações na canção, ou quando o Genovese dedilha o seu piano com leveza e fluidez. Cantando em um espanhol muito bom, Spalding faz uso de um díficil recurso que é segurar as notas agudas prolongando as sílabas tônicas das palavras ao final dos versos. O resultado é um dos momentos mais bonitos do álbum.

A canção "She Got to You" é a mais pop do álbum com o sax alto de Donald Harrison ao estilo smooth pontuando os versos cantados por Spalding. A utilização do sopro no álbum foi introduzida apenas na sexta faixa, mas não foi bem aproveitada, porque não há nenhum momento inspirado do saxofonista nesta canção, afinal, a melodia faz uso apenas de fraseados curtos e repetitivos. Apoiando-se na extensão vocal de Spalding, essa canção parece ter sido produzida para tocar nas rádios FM ou para preencher trilhas sonoras de novelas ou seriados de TV. Talvez tendo percebido como o sax de Harrison foi mal
aproveitado, a baixista já usou outros formatos para o grupo em suas apresentações, como a substituição do saxofone por uma guitarra, o que melhorou consideravelmente a canção. A versão do álbum, no entanto, é dispensável.

"Precious", apesar de também soar um tanto pop, tem uma influência de soul music que a torna muita melhor que a canção anterior. O baixo bem marcado de Spalding, acompanhado de perto pela bateria de Brown, encontra um belo complemento no som cristalino com uma certa vibração do Wurlitzer, uma espécie de piano eletrônico, tocado por Genovese. As vozes adicionais foram todas muito bem colocadas para expressar a emoção de cada parte da canção, passando de um momento mais contemplativo até um ponto mais vibrante.

O baixo pulsante de Spalding é a chave que sustenta "Mela", a oitava faixa do álbum. O canto dessa vez é usado tão somente como um instrumento, uma vez que não há palavras para serem cantadas. A voz de Spalding encontra, em um primeiro momento, um complemento no trompete de Ambrose Akinmusire, que por sua vez em seu primeiro solo já ganha o primeiro plano com uma atuação destacada. A musicalidade brasileira está na base dessa composição que conta com alguns dos melhores solos de baixo de Spalding, bem como com o destacado rigor estilístico de Hernandez na bateria. Certamente é um
dos mais relevantes momentos desse álbum ao agregar o trompete criativo de Akinmusire ao trio base formado pelo baixo, pelo piano e pela bateria.

"Love in Time" é uma balada ao melhor estilo vocal jazz. O baixo marca o tempo e o piano é um mero acompanhante para a voz de Spalding esbanjando uma sensualidade provocadora. Já "Espera" trata da retomada da confiança após a quase perda da esperança cantada com muito balanço por Spalding. A percussão de Haddad, a bateria de Brown e o baixo de Spalding marcam o ritmo com uma batida que em muitos momentos se assemelha à marcação do reggae, porém um pouco mais rápida. Genovese, por sua vez, tocando um Fender Rhodes faz tanto o complemento ao baixo como é o acompanhamento para a voz.

"If That's True" é a única canção totalmente instrumental do álbum. Ao piano Genovese introduz o tema central da canção, que é logo seguido e expandido pelo sax alto de Harrison, enquanto o baixo de Spalding pulsa com intensidade. Em seguida é o trompete de Akinmusire que toma a condução da melodia, até o piano de Genovese passar da função de acompanhamento para o primeiro plano da canção. Em todos os momentos em que os sopros ou o piano ganham o destaque maior durante a execução de seus temas, é o baixo de Spalding que está vivo como um coração a bombear notas musicais para o quinteto, tanto que seu desempenho é fundamental para marcar não apenas o tempo, mas também para reger a entrada dos demais instrumentos, bem como para guiá-los em seus solos.

O álbum encerra com uma belíssima execução de "Samba Em Prelúdio", composição de Vinicius de Moraes e Baden Powell. Do violão fica encarregado Nino Josele, enquanto Spalding canta cada verso em um português perfeito, que impressiona, principalmente se compararmos com a primeira faixa desse álbum. O dueto de baixo e violão e a exuberante interpretação vocal de Spalding fazem dessa canção o momento mais tocante do álbum. Qualquer fã de bossa nova não conseguirá ouvir essa faixa apenas uma vez.

Esperanza Spalding é merecidamente um dos nomes mais destacados da atual cena jazzística ao conciliar a influência da música brasileira e afro-cubana ao seu universo sonoro. Se por um lado sua voz de contralto e suas composições românticas atraem um público não restrito ao jazz, sua performance como baixista já lhe rendeu a nomeação como primeira "Estrela em Ascensão" pela revista DownBeat em 2008. Como demonstrado em Esperanza, Spalding é uma figura importante para entender o jazz dos anos 2000 e do século XXI, portanto ainda muito deveremos ouvir de sua boca e de seu baixo. De minha parte, fico com a esperança de vê-la se desenvolver ainda mais como artista sem abdicar de sua veia jazzística para incorrer em caminhos que conduzem a uma música de qualidade duvidosa aquém de sua capacidade, o que vem a culminar em um pop sem graça, como fez, infelizmente, George Benson no passado.

Todos os músicos que participaram do álbum:
Esperanza Spalding: vocais, baixo;
Leo Genovese: piano, Wurlitzer (7), Rhodes (10);
Jamey Haddad: percussão (1, 2, 4, 6, 10);
Otis Brown: bateria (1, 2, 5, 7, 9, 10, 11), background vocals (4, 7);
Gretchen Parlato: background vocals (1, 4);
Theresa Perez: background vocals (4);
Horacio Hernandez: bateria (4, 6, 8);
Donald Harrison: saxofone alto (6, 11);
Ambrose Akinmusire: trompete (8, 11);
Nino Josele: violão (12).

Faixas de Esperanza:
01. Ponta de Areia [Nascimento, Brant] 5:39
02. I Know You Know [Spalding] 3:46
03. Fall In [Spalding] 3:57
04. I Adore You [Spalding] 7:27
05. Cuerpo y Alma (Body & Soul) [Green, Heyman, Sour] 8:01
06. She Got to You [Spalding] 4:29
07. Precious [Spalding] 4:24
08. Mela [Spalding] 6:57
09. Love in Time [Spalding] 5:47
10. Espera [Spalding] 4:40
11. If That's True [Spalding] 7:33
12. Samba Em Prelúdio [de Moraes, Powell] 5:11

Vídeo com a versão de estúdio de "Ponta de Areia":

Vídeo de apresentação de "Ponta de Areia" no Tim Festival 2008 com participação de Chico Pinheiro:

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Documentário Icons Among Us

2009-04-27T06:31:00.013-03:00

Dirigido por Michael Rivoira, Lars Larson e Peter J. Vogt, produzido por Paradigm Studio, o documentário Icons Among Us: Jazz in the Present Tense (Ícones Entre Nós: o Jazz no Tempo Presente, em tradução literal, porém comercialmente outro nome poderá ser utilizado) divide-se em quatro episódios e aborda o jazz produzido no século XXI, ou seja, uma temática totalmente condizente com este blog.

Quando lançado em 2001, o documentário Jazz do diretor Ken Burns recebeu muitos elogios e teve o seu mérito reconhecido por ser a melhor série sobre o gênero já produzida, porém, ainda assim, deixou algumas lacunas por pouco abordar a cena jazzística dos anos 1970 em diante. Apenas no último dos 12 episódios há uma breve referência aos músicos dos anos 1990 e 2000. Agora é a vez de Rivoira, Larson e Vogt darem continuidade a essa história, mostrando como Matthew Shipp, Nicholas Payton, Avishai Cohen, Terence Blanchard, Jason Moran e muitos outros seguem em frente com o legado do jazz e se transformam em ícones entre nós.

A série teve início com o primeiro episódio intitulado "Quiet Revolution" exibido no canal de TV The Documentary Channel, infelizmente apenas para os Estados Unidos. Exibido semanalmente, o documentário terá sequência com "12 Notes in Realtime", "Utopia" e encerra com "Everything Everywhere". Para promover a série, vários concertos serão apresentados entre abril e maio deste ano em cinco cidades americanas: Seattle, Austin, Chicago, Boston e Nova Orleans.

Aos fãs brasileiros de jazz, bem como a todos os não-residentes nos Estados Unidos, resta esperar pelo televisionamento em alguma rede local ou pelo lançamento do documentário em DVD ou Blu-ray para que possamos acompanhá-lo.

Por ora, assistam a esses vídeos de Icons Among Us:

Visite o site de Icons Among Us:
http://www.iconsamongus.com/

Gilfema + 2

2009-04-24T12:20:00.006-03:00

Lançado em outubro de 2008 pela gravadora ObliqSound, o álbum Gilfema + 2, reúne competentes músicos de diferentes nacionalidades como o guitarrista Lionel Loueke, do Benin; o baixista Massimo Biolcati, sueco de criação, mas nascido na Itália; e o baterista Ferenc Nemeth, da Hungria. Esse trio forma o Gilfema, cujo nome incorpora parte dos nomes de seus integrantes: Lionel GILles Loueke, FErenc Nemeth e MAssimo Biolcati. Adicionando as sonoridades de suas origens ao jazz, o grupo convidou mais dois músicos para esse trabalho: a clarinetista israelense Anat Cohen e o clarinetista baixo americano John Ellis. Entre o folk, a world music e o jazz, o Gilfema é um grupo criativo que explora muito bem o talento de seus intérpretes/compositores em novas canções, que se por um lado pode confrontar o gosto jazzístico dos mais puristas, por outro lado desperta o interesse dos fãs um pouco mais receptivos a ritmos africanos e inventivos em geral.

Em "Twins", a primeira faixa do álbum, o tempo marcado pelo baterista Ferenc Nemeth, pelo baixista Massimo Biolcati e pela guitarra rítmica de Lionel Loueke evidenciam a influência da música africana no som do grupo. O canto repetitivo de Loueke no idioma fon, natural do Benin, no início da canção é quase hipnótico, enquanto com sutileza Anat Cohen estabelece uma linha melódica com seu clarinete. A partir da mudança de andamento que é dada à canção, o ritmo ganha mais liberdade e balanço, liberando Loueke para, além de cantar, também solar com sua guitarra, bem como para fazer um rico dueto com o clarinete baixo de John Ellis.

"Question of Perspective" introduz um tema principal executado por Loueke na guitarra e em vocalizações, que ganha a adição de Biolcati no baixo, de Nemeth na bateria e de Ellis no clarinete baixo. A partir desse mote desenvolve-se a melodia tal como se ouve no delicioso solo de Loueke, tocado com muita clareza em uma perspectiva absolutamente linear.

A musicalidade africana volta ao primeiro plano em "Your World", cuja condução do ritmo por Biolcati no baixo e por Nemeth na bateria remetem a um balanço que aproxima o som do grupo a uma sonordade com um quê de reggae. A guitarra de Loueke na maior parte da canção se integra à base rítmica, enquanto o clarinete de Cohen assume a frente da condução melódica em solos ou em bem arranjados duetos com a guitarra. É difícil não se deixar contagiar pelo ritmo e pelo canto de Loueke, que são a cara dessa canção.

Possivelmente "Salomé" com a guitarra com efeito wah-wah de Loueke, o clarinete baixo melodioso de Ellis, o baixo exuberante de Biolcati e a precisão de Nemeth na bateria seja a melhor faixa de todo o álbum. A canção foi construída de modo que os instrumentos de cordas e de sopro assumam em determinado momento o primeiro plano e que se apóiem mutuamente no desenvolvimento do som. O resultado é um primoroso exercício jazzístico de aliar a suavidade de Ellis com a impulsividade de Loueke, que em determinado momento faz sua guitarra soar quase como um teclado, enquanto Biolcati desloca o seu baixo do fundo para o primeiro plano do estúdio de gravação.

O canto de Loueke e a ocarina tocada por Ellis são os principais destaques de "Lonlon Gnin", outra faixa na qual a musicalidade originária da África recebe os principais holofotes. O baixo quase hipnótico de Biolcati e a marcação rítmica precisa de Nemeth formam o plano de fundo para que a canção se desenrole naturalmente.

"Morning Dew" inicia com um ritmo repetitivo marcado por Nemeth, enquanto o clarinete baixo de Ellis toca espaçadamente a mesma nota, aos quais junta-se primeiro o baixo de Biolcati e depois a guitarra de Loueke. A canção tem um desenvolvimento lento, que vai ganhando impulso com a reintrodução do clarinete baixo de Ellis, que vai direcionando a melodia a ser seguida. O tema que ganha vida é bastante bonito e tocado com muita clareza nos solos e nos duetos de guitarra e clarinete.

"Festa" tem um ritmo cheio de balanço que lembra o samba, porém conduzido pelos tom-tons, pela caixa, pelo surdo e pelo chimbal executados por Nemeth, bem como pelo baixo de Biolcati fornecendo a cobertura para o desenvolvimento da melodia pela guitarra e pelo canto de Loueke no idioma fon.

O ritmo acelerado, quase descompassado, introduzido pela bateria de Nemeth em "Cove" induz Ellis a tocar o seu clarinete baixo cada vez mais rápido para estabelecer a segunda parte da canção, que é estruturalmente mais complexa, provocando em um determinado momento um contraponto interessante entre a guitarra de Loueke e o baixo de Biolcati, como se os músicos estabelecessem um desafio mútuo. A sonoridade se constitui em uma sessão de freebop repleta de criatividade e energia. A forma abrupta como a canção é encerrada denuncia um grupo versátil que tem muito a explorar nessa linguagem jazzística. Certamente essa faixa conquista o status de um dos pontos altos do álbum.

"One's Mind's Eye" é uma balada de ritmo suave conduzido por Nemeth repercutindo a caixa de sua bateria com baquetas tipo vassourinha, enquanto Cohen com seu clarinete, Loueke com sua guitarra e Ellis com seu clarinete baixo assumem o papel de desenvolver a melodia. A medida que a canção começa a crescer em intensidade e Nemeth passa fazer uso maior dos pratos de seu instrumento, o baixo de Biolcati também vai ganhando mais espaço e se destacando dentro da obra. O destaque maior, porém, fica para a forma como a melodia é trabalhada em função do timbre diferenciado dos sopros e das seis cordas.

A linguagem do bop volta a ser falada pelo grupo em "Master of the Obvious", uma canção na qual o clarinete baixo de Ellis e o clarinete de Cohen travam um diálogo cheio de balanço, enquanto o baixo de Biolcati e a bateria de Nemeth proporcionam o ritmo swingado necessário para a harmonia da canção. A introdução da guitarra com wah-wah de Loueke ganha o primeiro plano na execução dessa faixa, uma vez que a sua entrada altera o dinamismo do trabalho e produz um efeito positivo refletido na força que a canção ganha perto de seu final.

O trio Gilfema tem recebido ótimas críticas nas publicações especializadas em jazz, mesmo se tratando de um projeto paralelo, que infelizmente não deverá ter continuidade, uma vez que a carreira solo de Lionel Loueke está em seu melhor momento e tanto o baixista quanto o baterista integram o grupo do guitarrista. O mérito do Gilfema é dar vazão às composições de Massimo Biolcati e de Ferenc Nemeth, afinal o grupo de Loueke toca apenas composições próprias deste, que foi escolhido como "Estrela em Ascensão (Rising Star)" na categoria guitarrista na premiação de 2008 da revista DownBeat. A adição dos sopros ao trio original ocasionou mais versatilidade à sonoridade do grupo, uma vez que a guitarra ganhou mais opções para trabalhar em belos e agradáveis duetos. Por essas razões, Gilfema + 2 é um álbum altamente recomendável.

Todos os músicos que participaram do álbum:
Lionel Loueke: guitarra, vocais;
Massimo Biolcati: baixo
Ferenc Nemeth: bateria
Anat Cohen: clarinete
John Ellis: clarinete baixo, ocarina

Faixas de Gilfema + 2:
01. Twins [Loueke] 5:20
02. Question of Perspective [Nemeth] 4:13
03. Your World [Loueke] 5:36
04. Salomé [Biolcati] 6:04
05. Lonlon Gnin [Loueke] 3:45
06. Morning Dew [Nemeth] 6:28
07. Festa [Nemeth] 4:23
08. Cove [Loueke] 5:22
09. One's Mind's Eye [Biolcati] 7:19
10. Master of the Obvious [Biolcati] 4:13

Veja o vídeo do Gilfema tocando "Question of Perspective":

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Brad Mehldau Trio Live

2009-03-30T09:35:00.005-03:00

Gravado entre 11 e 15 de outubro de 2006 no clube Village Vanguard em Nova York, e lançado em 2008 pela gravadora Nonesuch, Live do pianista Brad Mehldau é um álbum duplo que transita entre composições do rock dos anos 1990, canções populares, standards do jazz e obras do próprio líder do trio. Muito versátil, Mehldau já trabalhou com importantes nomes do jazz como Pat Metheny, Charlie Haden, Lee Konitz, Wayne Shorter; devido ao seu estilo mais intimista e por sua preferência pelo trio de jazz foi comparado a seu influenciador Bill Evans; também já fez parceria com o soprano Renée Fleming e consegue articular um bom diálogo entre o rock n’ roll e o jazz sem transformar isso em fusion. Neste álbum, o pianista demonstra sua qualidade em um repertório que apresenta surpresas e agrada o ouvinte ao mesclar lirismo e intensidade ao longo dos dois CDs que compõe Live.

O primeiro CD tem início com uma breve introdução, na qual o pianista Brad Mehldau apresenta o baixista Larry Grenadier e o baterista Jeff Ballard. Na sequência, o trio começa a tocar “Wonderwall” de Noel Gallagher do grupo de rock inglês Oasis. De início o grupo é bem fiel à composição original, uma vez que Mehldau conduz a melodia por meio dos fraseados curtos que tornaram a canção popular, enquanto Ballard e Granadier determinam o ritmo. Porém, como esta é uma versão jazzística, logo Mehldau se deixa levar pela improvisação e os fraseados antes curtos transformam-se em estruturas longas e mais complexas com contagiante balanço que a essa altura tem a seção rítmica mais solta e tocando com a mesma intensidade. Quando o piano retoma o tema que serve de refrão, o baixo e a bateria permanecem com o ritmo swingado que dá muito mais riqueza à canção. O resultado final é uma transformação positiva e empolgante.

Em “Ruby’s Rub” o trio brinca com o ritmo da canção acelerando e desacelerando o andamento. Mehldau ao piano dita o tema melódico e a partir dele cria variações que se tornam mais e mais rápidas, enquanto é apoiado pelos enérgicos e precisos Grenadier no baixo e Ballard na bateria. A canção conta com um longo e vigoroso solo de piano que contagia o ouvinte que tenta acompanhar cada nota tocada com muita rapidez. Uma pena que essa boa harmonia se perca ao se aproximar o final da canção e os músicos seguem rumos diferentes.

O concerto prossegue com uma versão para “O Que Será” de Chico Buarque, cuja melodia, inicialmente, é seguida fielmente por Mehldau ao piano. Pois é justamente na improvisação do pianista que a canção vai ganhando mais vida, enquanto Grenadier e Ballard dão seguimento ao ritmo inicial e, posteriormente, também vão criando um novo sentido para a base que dá a sustentação a Mehldau. Este, aliás, mostra ser um grande improvisador ao conduzir a melodia por caminhos bem diferentes dos propostos inicialmente, mudar completamente o andamento da canção e ir aos poucos inserindo as notas que formam o tema principal até que o trio retome o ponto de partida e dê por encerrada a canção.

“B-Flat Waltz” é uma canção que em um primeiro momento se sustenta em uma melodia agradável de acompanhar, resultante do bom trabalho de Mehldau ao piano que em dado instante parece tocar para si ao estabelecer uma melodia com muitas facetas, uma vez que o pianista consegue transitar de uma passagem mais “dançante” para outra bastante introspectiva e complexa. O resultado é entusiasmante.

Dando prosseguimento ao seu diálogo com o rock, o trio executa “Black Hole Sun” composta por Chris Cornell e originalmente gravada pelo grupo Soundgarden. Nesta versão com mais de 23 minutos, o maior destaque inicial fica com o baixista Grenadier, que é o responsável por manter o ritmo lento e bem marcado conforme a composição original. Mehldau ao piano se encarrega de executar o tema principal que também é base para o refrão, enquanto Ballard na bateria acompanha e divide a atenção com o pianista tanto nas passagens lentas quanto nas partes de maior intensidade da canção. Entre várias mudanças de andamento, o resultado é uma bem sucedida transposição do rock para o jazz, algo que nem sempre é alcançado.

Em “The Very Thought of You”, Mehldau tem espaço para demonstrar todo o seu lirismo com o trio executando uma balada intimista. Nesta faixa a referência ao estilo pessoal de Bill Evans torna-se muito evidente, o que justifica algumas comparações que vem sendo feitas ao longo dos anos. Com uma técnica muito boa e uma interpretação brilhante, Mehldau realiza um grande trabalho nesta composição de Ray Noble, na qual a performance do pianista sugere ao longo da canção passagens contidas e repletas de sentimento até outras de calor mais intenso e apaixonado. Uma curiosidade: reparem que logo aos 39 segundos alguém deixa cair um objeto de metal no palco e isso causa um ruído indesejado na gravação.

O segundo CD do álbum inicia com “Buddha Realm”, um dos melhores momentos da apresentação. Com um ritmo cheio de balanço e bem marcado pelo baixo de Grenadier e pela bateria de Ballard, o pianista pode desenvolver o seu tema com um swing especial. Alternando graves e agudos em seu instrumento, Mehldau consegue um ótimo equilíbrio entre seguir o ritmo com a mão esquerda e desenvolver uma melodia cativante com a mão direita. Os solos de Mehldau acompanhados pela precisão de Ballard e por uma bem trabalhada base de Grenadier dão muita vivacidade à canção e triunfam ao mesclar jazz tradicional com a linguagem moderna.

“Fit Cat” se desenvolve sobre um tema introduzido por Mehldau ao piano e que é recorrente durante toda a canção, uma vez que os solos nascem daí. As improvisações do pianista são substancialmente os pontos altos até então. A partir da metade em diante, a mudança de andamento dada pelo trio à canção lhe confere uma cadência mais swingada em comparação ao que é inicialmente desenvolvido. A tônica da canção passa a ser a ótima integração e harmonia do trio, no qual cada integrante preenche o som em uma perfeita comunhão, o que resulta um agradável trabalho de equipe, tal como na velha citação literária: um por todos e todos por um.

A melodia suave e intimista de “Secret Beach” construída inteiramente no piano de Mehldau é a marca da canção. O trabalho da seção rítmica com Grenadier e Ballard é servir de apoio para que o pianista possa explorar a sua criatividade em um tema que começa tímido, mas que vai conquistando o ouvinte com cada nota bem colocada. A bela melodia desenvolvida por Mehldau é de tal modo envolvente, que vai em um crescendo tão sutil que cativa e ganha o seu público.

“C.T.A.”, composta por Jimmy Heath, tem no ótimo trabalho do baixista Grenadier um dos seus destaques, uma vez que seu solo é o mais empolgante da canção. Esbanjando qualidade, o trio consegue unir velocidade e técnica mantendo o balanço em um hard bop de muita categoria.

O standard “More Than You Know” traz a atenção novamente para o piano de Mehldau, que conduz uma melodia sentimental que dialoga muito bem com o baixo de Grenadier, uma vez que um preenche muito bem o espaço deixado pelo outro na execução da canção. Em seu solo, literalmente, afinal Mehldau não encontra o acompanhamento dos demais músicos, o pianista consegue preencher todos os espaços e definir um andamento romântico que dá muita sutileza e beleza à melodia.

O concerto e o álbum são encerrados com a canção “Countdown”, uma composição de John Coltrane, na qual cabe a Mehldau desenvolver uma intrincada melodia ao melhor estilo hard bop em alta velocidade, enquanto Ballard parece fazer sua bateria galopar e Grenadier acompanha tudo cobrindo as lacunas. O resultado final é muito bom, porque demonstra a habilidade de Mehldau em transpor os fraseados que se alternavam entre curtos e alongados no saxofone de Coltrane para o piano, gerando muito dinamismo e intensidade à canção.

Ousado ao reunir canções não comuns ao mundo do jazz em um álbum duplo, Brad Mehldau proporciona uma integração muito interessante entre linguagens diferentes como o jazz e o rock n’ roll. Em suas composições próprias, Mehldau mostra com mais desenvoltura a sua habilidade e consegue atingir os pontos mais altos neste álbum, ainda que suas versões para canções de outros compositores rendam momentos para uma audição de primeira qualidade. Necessária na coleção de qualquer jazzófilo interessado na música do século XXI, a obra de Mehldau está bem representada em Live.

Todos os músicos que participaram do álbum:
Brad Mehldau: piano;
Larry Grenadier: baixo;
Jeff Ballard: bateria.

Faixas de Live:
CD 1
01. Introduction [0:14]
02. Wonderwall [Gallagher] 8:44
03. Ruby's Rub [Mehldau] 13:07
04. O Que Será [Buarque] 10:37
05. B-Flat Waltz [Mehldau] 9:10
06. Black Hole Sun [Cornell] 23:30
07. The Very Thought of You [Noble] 13:03

CD 2
01. Buddha Realm [Mehldau] 11:59
02. Fit Cat [Mehldau] 10:40
03. Secret Beach [Mehldau] 11:35
04. C.T.A. [Heath] 16:16
05. More Than You Know [Eliscu, Rose, Youmans] 12:08
06. Countdown [Coltrane] 14:56

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Jíbaro de Miguel Zenón

2009-02-28T14:41:00.003-03:00

Lançado em 2005 pela gravadora Marsalis Music, Jíbaro do saxofonista alto Miguel Zenón é formado por dez faixas inéditas que remetem à musicalidade de Porto Rico, país de origem do líder do grupo. Zenón vem ganhando elogios e espaço no jazz atual graças ao seu modo de tocar que reflete muita elegância e suavidade. Se pensarmos em duas escolas de sax que influenciaram e influenciam gerações de músicos de jazz, Zenón estaria mais para a sutileza de Lester Young do que para a impulsividade de Coleman Hawkins. Não deixe de ouvir Jíbaro, pois este é um álbum muito bom.

A primeira faixa do álbum é “Seis Cinco”, que logo de início já revela a influência da musicalidade porto-riquenha e latino-americana no trabalho de Miguel Zenón. O piano de Luis Perdomo soa efetivamente como um instrumento de percussão, tal como indica a origem do som do aparelho, uma vez que a condução rítmica é primeiramente levada por ele, até que se juntam Antonio Sánchez na bateria e Hans Glawischnig no baixo. O sax alto de Zenón parte de uma melodia simples baseada em curtos fraseados repetitivos, que se desenvolvem em um solo mais intrincado. Uma mudança de andamento traz o piano de Perdomo para o primeiro plano, enquanto o ótimo Sánchez e Glawischnig fazem o acompanhamento. Zenón retoma a musicalidade festiva de Porto Rico em seu sax alto para encerrar a faixa.

O tema iniciado por Perdomo ao piano em “Farjardeño” encontra o baixo bem marcado de Glawischnig e a bateria de Sánchez, que marca o ritmo com direito a paradinhas que indicam a entrada de Zenón, cujo solo de sax alto a partir dos dois minutos indica uma leveza musical muito linda. O saxofonista tem o mérito de desenvolver seus temas com sutileza e elegância que já lhe renderam comparações com o lendário Paul Desmond. Sem dúvida estamos diante de um talento. Por mais que o ritmo do trio que acompanha Zenón seja contagiante nessa canção, que o baixo de Glawischnig consiga acompanhar a nossa pulsação ou que a precisão de Sánchez nos leve, é difícil não focar a atenção no saxofonista que ganha a cena com a sua maestria.

“Punto Cubano” nasce da interação entre a seção rítmica (Perdomo, Glawischnig e Sánchez) e os fraseados curtos de Zenón. A partir daí, a canção se desenvolve em um bonito solo de piano de Perdomo, que se encerra ao encontrar o sax alto de Zenón, cujo solo tem um quê de lamento.

O fraseado de sax alto facilmente reconhecível no início de “Aguinaldo” torna essa canção uma candidata a possível stardard no futuro. Canções com temas fáceis de lembrar como “Caravan” ou “Love For Sale” rapidamente caem no gosto popular, mas apenas o tempo dirá se o mesmo acontecerá a “Aguinaldo”. O ritmo conduzido por Glawischnig no baixo e Sánchez na bateria é lento e claramente caribenho, no qual Zenón no sax alto alterna o tema tema principal da canção e solos mais desenvolvidos, enquanto Perdomo no piano faz um acompanhamento preciso. Porém, é apenas a partir dos solos de baixo e, posteriormente, de piano que a canção se transforma. Com a aceleração do ritmo, o sax alto de Zenón ressurge mais solto, mas mantendo o refinamento e o mesmo senso melódico que consagrou o músico porto-riquenho.

Em “Chorreao” o destaque fica para a precisa marcação rítmica de Sánchez na bateria, que faz a complementação ideal para os fraseados curtos e pontuais de sax alto de Zenón. Ainda que o tema seja repetitivo, o ritmo é contagiante e certamente agradará a todos que gostam de jazz com um tempero latino.

A partir de um sentimental solo de sax alto, Zenón começa “Enramada” pelo que parece ser o seu final, tanto que após uma breve parada logo após o solo, a canção recomeça com uma ambientação quase cool centrada na sonoridade do saxofone. Uma nova breve parada e um novo recomeço em uma canção que se reinventa em um suave e belo solo de piano de Perdomo. Outra breve parada e o recomeço é iniciado por Zenón que fecha a canção tal como começou. O resultado parece ser várias canções interligadas gravadas em uma mesma faixa do CD. Um ouvinte mais desatento poderia pensar que quatro faixas foram passadas em pouco mais de seis minutos.

“Villarán” aproveita o final da canção anterior, mas logo a partir de uma breve introdução do baixo de Glawischnig, o ritmo muda sua cadência, tornando-se mais pulsante, mas não rápido. O sax alto de Zenón dá o tema e Perdomo ao piano desenvolve-o, depois há uma troca constante entre ambos na condução melódica. Mudanças de andamento e ótimos solos fazem dessa uma das melhores canções do álbum.

Aproveitando a base rítmica de suas origens porto-riquenhas, Zenón com seu sax alto compôs “Llanera” como uma canção que evidencia a bateria de Sánchez e o baixo de Glawischnig, além de proporcionar um ótimo solo de piano para Perdomo e um contagiante solo para o próprio Zenón.

“Mariandá” parte de um ritmo lento e de uma melodia arrastada e fragmentada liderada pelo sax alto de Zenón, que a desenvolve a medida que a bateria de Sánchez, o baixo de Glawischnig e o piano de Perdomo encontram o seu caminho. A partir daí a interação entre o saxofone e o piano faz um dueto agradável, que culmina em momentos mais intimistas com mudanças de andamento e um final diferente do esperado.

A faixa que dá nome ao álbum, “Jíbaro, é também a última do CD. Partindo de um início mais alegre, no qual o piano de Perdomo está em primeiro plano, o baixo de Glawischnig deixa a sua marca com destaque e a bateria de Sánchez ressoa os pratos, o chimbal e o bumbo, a canção tem um ritmo mais sacolejante. Ao entrar, Zenón no sax alto desenvolve o tema principal da canção e assume a liderança nos caminhos da melodia. Nessa faixa, o saxofonista pode mostrar mais velocidade e capacidade de improvisação, o que não é tão evidente em outros momentos do álbum, uma vez que a marca de Zenón é o seu estilo suave e altamente melódico.

Mesmo sem contar com instrumentos típicos da música porto-riquenha, o quarteto de Miguel Zenón conseguiu transpor toda a musicalidade e festividade da música caribenha para o seu jazz. Jíbaro é um trabalho repleto de qualidade que agradará os fãs de jazz latino. Zenón é um importante nome no saxofone alto neste século XXI, pois seu estilo suave e melodioso não o fixa como um músico conservador e tampouco inovador.

Todos os músicos que participaram do álbum:
Miguel Zenón: saxofone alto;
Luis Perdomo: piano;
Hans Glawischnig: baixo;
Antonio Sánchez: bateria.

Faixas de Jíbaro:
01. Seis Cinco [Zenón] 5:45
02. Farjardeño [Zenón] 6:53
03. Punto Cubano [Zenón] 8:07
04. Aguinaldo [Zenón] 7:29
05. Chorreao [Zenón] 5:54
06. Enramada [Zenón] 6:11
07. Villarán [Zenón] 9:09
08. Llanera [Zenón] 6:18
09. Mariandá [Zenón] 5:47
10. Jíbaro [Zenón] 7:30

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A estranha libertação de Dave Douglas

2009-02-15T23:07:00.006-03:00

Lançado em 2004 pela gravadora Bluebird/RCA, Strange Liberation do trompetista Dave Douglas traz, além dos músicos habituais de seu quinteto, o guitarrista Bill Frisell como convidado. A adição deste é de grande importância para a qualidade do álbum, uma vez que muitas passagens foram pensadas para a guitarra como protagonista e não meramente como um incremento para acompanhar os sopros ou o Fender Rhodes. Por sua diversidade entre as vertentes do jazz, qualquer pessoa interessada em conhecer mais a sonoridade desenvolvida no século XXI deve ouvir o trabalho de Douglas e este álbum é uma boa dica para começar (ou continuar).

A primeira faixa do álbum é “A Single Sky”, uma canção curta com pouco mais de 2 minutos, que introduz o ouvinte à sonoridade do sexteto. Aí estão pontos altos que serão muito bem explorados em todo o álbum, como o baixo bem marcado de James Genus, os duetos bem arranjados entre o trompete de Dave Douglas e o sax tenor de Chris Potter, a guitarra de Bill Frisell surgindo como alternativa aos sopros. Apesar de curta, essa canção é repleta de possibilidades de audição, primeiro porque não desenvolve nenhum solo, depois deixa a vontade de querer ouvir mais, o que é subitamente cortado por um decrescendo que vai marcando a saída de Douglas, do Fender Rhodes de Uri Caine até deixar a última nota para as cordas de Frisell.

“Strange Liberation”, por sua vez, tem como destaque inicial o fraseado quase estridente do trompete de Douglas, enquanto a seção rítmica desenvolve um funky jazz cheio de balanço. O dueto entre Douglas e o sax tenor de Potter estabelece uma comunicação cheia de swing, responsável pelo estabelecimento do tema motriz da canção, que é igualmente recriada a seguir no dueto entre a guitarra de Frisell e o baixo de Genus, enquanto Clarence Penn e Caine acompanham tudo na bateria e no Fender Rhodes, respectivamente. Em determinado momento, o Rhodes de Caine deixa o papel de coadjuvante e passa a ser protagonista junto com Douglas e Frisell, sem que o tema principal da canção seja esquecido.

“Skeeter-ism” tem uma sonoridade nostálgica e sentimental, cujos duetos são os pontos de maior destaque. De início Douglas com seu trompete e Potter com seu clarinete baixo definem a direção melódica, enquanto o baixo de Genus e a bateria de Penn dão ritmo à canção. A guitarra de Frisell e o Fender Rhodes de Caine dão seguimento à sessão de ótimos duetos dessa faixa. Certamente esse é um dos pontos altos do álbum, pois essa é uma canção deliciosa de ouvir.

“Just Say This” tem no trompete de Douglas e na guitarra de Frisell as bases de seu som lento e introspectivo. A partir do acompanhamento de Caine, Genus e Penn, os solos de Douglas podem alcançar alturas ainda não buscadas antes e são esses agudos que servem como um belo contraponto ao sax tenor de Potter, que soa como se quisesse dizer belas palavras de amor. Em seguida, Frisell parece tomar conta do mesmo discurso para dar seguimento ao que vinha sendo desenvolvido pelos instrumentos de sopro. Ao tocarem juntos ao final da canção, podemos ter a certeza de quem eles conseguiram dizer – sem uma palavra – o que a composição trazia em seu título.

“Seventeen” é uma canção impetuosa com uma forte razão de ser no bebop. O baixo de Genus é marcado com intensidade e a bateria de Penn dá o ritmo por vezes quase frenético à canção, que se desenrola em solos enérgicos de sax tenor por Potter, de Fender Rhodes por Caine e, claro, de trompete por Douglas.

O diálogo minimalista entre a guitarra de Frisell e o Fender Rhodes de Caine serve como uma introdução ao tema melódico que é desenvolvido em “Mountains from the Train”. Enquanto esses instrumentos mais o baixo e a bateria dão o direcionamento intimista que a canção deve seguir, os sopros contribuem com o que vinha sendo construindo, apenas adicionando mais certeza nos rumos dessa experimentação musical.

“Rock of Billy” é centrada na guitarra de Frisell, que dá início à melodia, que tem prosseguimento com o Fender Rhodes de Caine e o trompete de Douglas. Apesar do título de muitos sentidos e dos primeiros acordes que podem enganar, o que se ouve é um hard bop de ótima qualidade com direito a bons solos como o de sax tenor de Potter e ao ótimo dueto de sopros com as seis cordas de acompanhamento.

O sax tenor de Potter e a guitarra de Frisell tocando em uníssono dão o mote a “The Frisell Dream”, uma canção com sólidas bases alicerçadas no marcante baixo de Genus e na bateria de Penn, cujo ritmo sustenta a melodia suave e ao mesmo tempo cheia de balanço que é conduzida ora pelo trompete de Douglas, ora pela guitarra de Frisell, ora pelo sax de Potter, enquanto os três não se juntam em harmonia para encerrar a canção.

“Passing Through”, com pouco mais de um minuto e meio, parece parte de uma canção descolada de seu contexto. Soa como um recorte desprendido de um princípio, no qual o trompete de Douglas sola pesadamente, enquanto tem o acompanhamento do baixo de Genus e da bateria de Penn que o ajudam a compor a atmosfera introspectiva.

O trompete com surdina de Douglas funciona como um chamado para os demais integrantes do grupo em “The Jones”. Estabelecendo um agradável ritmo com seu baixo, Genus proporciona, em conjunto com a bateria de Penn e o Fender Rhodes de Caine, um ambiente que permite o desenvolvimento de duetos muito bem articulados entre trompete e sax tenor, bem como o solo empolgante de teclado.

“Catalyst” encerra o álbum com uma forte referência ao fusion, uma vez que o baixo elétrico de Genus, a guitarra de Frisell e o Fender Rhodes de Caine se juntam à bateria de Penn para reviver as bases da sonoridade jazzística dos anos 1970. Com esse fundo, o que temos são solos livres e energizantes de sax tenor por parte de Potter e de trompete por Douglas.

Strange Liberation é um álbum multifacetado que percorre as muitas vertentes do jazz para criar a sua identidade. Além do talento de Dave Douglas como compositor e intérprete, que já recebeu o elogio (e ao mesmo tempo a pesada responsabilidade) de ser o trompetista que mais soa como Miles Davis atualmente, este disco tem um importante acréscimo ao contar com o músico convidado Bill Frisell, um dos principais guitarristas vivos do jazz, além do ótimo baixista James Genus que deixou sua participação marcada com louvor nas onze faixas desse álbum. Douglas é um nome que faz a diferença no jazz do século XXI, e o seu trabalho ajuda a definir rumos para a sonoridade do gênero.

Todos os músicos que participaram do álbum:
Dave Douglas: trompete;
Bill Frisell: guitarra;
Chris Potter: saxofone tenor, clarinete baixo;
Uri Caine: Fender Rhodes;
James Genus: baixo acústico e elétrico;
Clarence Penn: bateria, percussão.

Faixas de Strange Liberation:
01. A Single Sky [Douglas] 2:05
02. Strange Liberation [Douglas] 8:05
03. Skeeter-Ism [Douglas] 6:00
04. Just Say This [Douglas] 6:33
05. Seventeen [Douglas] 8:40
06. Mountains from the Train [Douglas] 5:15
07. Rock of Billy [Douglas] 5:57
08. The Frisell Dream [Douglas] 3:56
09. Passing Through [Douglas] 1:36
10. The Jones [Douglas] 4:28
11. Catalyst [Douglas] 5:08

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A temporada de mudanças de Brian Blade

2009-02-04T09:57:00.007-02:00

Oito anos se passaram entre os lançamentos do álbum anterior e deste, Season of Changes, do baterista Brian Blade pela gravadora Verve em 2008. Durante esse período, Blade esteve ocupado tocando como sideman com Bob Dylan, Joni Mitchell, Kenny Garrett, Joshua Redman, Sam Yahel, Wayne Shorter. Ao retomar a carreira como líder, o baterista chamou antigos companheiros e renomeou o grupo para The Fellowship Band. O resultado está gravado neste ótimo álbum que consegue em alguns momentos ser jazz de alta classe e em outros momentos nem jazz ser. Musicalmente multi-influenciado, Blade nos apresenta um material inédito de ousadia e inventividade que o consolida como compositor e intérprete. Acredito que apenas o tempo e o desenrolar do século XXI serão capazes de dar o verdadeiro significado a Season of Changes.

O baixo de Chris Thomas tocando a mesma nota e a guitarra de Kurt Rosenwinkel deixando lacunas dão a introdução a “Rubilou’s Lullaby”, a primeira faixa do álbum. A bateria de Brian Blade prenuncia a entrada dos demais instrumentos à canção, como o piano de Jon Cowherd, que desempenha importantes papéis na condução e na passagem do sax tenor de Melvin Butler para o clarinete baixo de Myron Walden. A integração entre todos os instrumentos é total, tanto que ritmo e melodia estão muito ligados, tornando as participações de Walden e Butler não em solos, como o habitual no jazz, mas em um elemento em primeiro e segundo plano ao mesmo tempo. A sonoridade do grupo é progressiva e limítrofe ao empurrar as fronteiras do jazz para além.

Melvin Butler no sax tenor e Cowherd no piano estabelecem o motivo da canção “Return of the Prodigal Son”, que se desenvolve em um solo viajante de guitarra de Rosenwinkel, que encontra o solo enérgico de Butler, cuja sonoridade aqui o aproxima do hard bop sessentista e narra os percalços da personagem título. Cowherd restabelece a melodia e ganha o acompanhamento de Walden no sax alto e de Rosenwinkel, que é quem assume o papel principal e retoma o motivo da canção. Ao fundo, Thomas e Blade tem a importante função simbólica de demonstrar os períodos de tranquilidade, no início e no final da canção, cuja parte relata o retorno do filho pródigo, em oposição à parte central, que representa a inquietação traduzida no solo de Butler.

Uma bela e suave melodia é introduzida pelo guitarrista Rosenwinkel em “Stoner Hill”, cujos acordes, acompanhados por Blade na bateria e Thomas no baixo, serão o motivo da canção, no qual tudo se constrói. As entradas de Walden no clarinete baixo e de Cowherd no piano dão continuidade e desenvolvem o tema.

“Season of Changes”, canção que dá nome ao álbum, tem início com o piano solo de Cowherd ditando as bases da canção. A entrada dos demais instrumentos, primeiramente, serve para fazer acompanhamento ao tema iniciado ao piano. Blade na bateria marca a mudança de andamento, que dá mais vivacidade à canção. Cowherd ao piano e Rosenwinkel na guitarra dão o rumo à melodia, enquanto Thomas no baixo e Blade na bateria dão uma precisa marcação do tempo. Os belos solos de sax tenor de Butler e de sax alto de Walden são um dos pontos altos dessa faixa por dar uma cara mais jazzística ao tema progressivo colocado por Cowherd e Rosenwinkel.

“Most Precious One” é na verdade uma longa introdução para a faixa que a sucede, uma vez que o baixo de Thomas tocando sempre a mesma nota tem o acompanhamento do piano de Cowherd fazendo a mesma coisa, até que este desenvolva a melodia, quando ganha o acompanhamento de Blade na bateria. Então, o caminho está prono para a sexta faixa, “Most Precious One (Prodigy)”, que traz Cowherd tocando um Moog e Blade marcando o tempo em sua bateria como se tocasse um rock, enquanto Rosenwinkel completa com um solo viajante em total harmonia com o piano eletrônico. Blade parece ter composto esta canção inspirado na obra do Pink Floyd e de David Gilmour, pois se em outros momentos do álbum ele balançava no limite entre o jazz e o rock progressivo, nesta faixa ele cruzou a fronteira com os dois pés.

“Improvisation” inicia com Walden tocando uma melodia oriental em seu clarinete baixo, quando Cowherd ingressa na canção tocando o pump organ segurando prolongadamente a mesma nota, enquanto muito ao fundo temos o baixo de Thomas tocando a mesma nota. Walden desenvolve o tema inicial e contribui com um belo solo para o álbum, enquanto a canção chega a um crescendo, que se trata, na verdade, de uma introdução para a próxima faixa: “Alpha and Omega”. Como uma continuaçao da canção anteriormente desenvolvida, a atenção se centra sobre o pump organ de Cowherd, tocando como se estivesse em uma igreja, e no lento e misterioso soprar de Walden.

“Omni”, a canção que encerra o álbum, começa com um belo e melodioso dueto entre o sax alto de Walden e o piano de Cowherd, enquanto o baixo de Thomas e a bateria de Blade funcionam como os pés a manter a ave no chão. Nesta bela composição de Blade há espaço para um empolgante dueto entre o sax tenor de Butler e o alto de Walden, além de um solo reflexivo de muita beleza no piano de Cowherd, que dá ponto final a uma adorável canção.

Intrigante, desafiador, mas sobretudo um ótimo álbum. Em alguns momentos, Season of Changes parece como um primeiro passo em direção a algo novo. Se Brian Blade prosseguir trabalhando essa sonoridade, algo diferente pode surgir no mundo do jazz neste princípio de século XXI. Para abril de 2009, Blade promete o lançamento de um álbum novo, porém não tocando bateria, mas fazendo sua estréia como cantor e guitarrista. Resta-nos esperar.

Todos os músicos que participaram do álbum:
Brian Blade: bateria;
Jon Cowherd: piano, pump organ, Moog, Wurlitzer;
Kurt Rosenwinkel: guitarra;
Myron Walden: saxofone alto, clarinete baixo;
Melvin Butler: saxofone tenor;
Chris Thomas: baixo.

Faixas de Season of Changes:
01. Rubylou's Lullaby [Blade] 4:38
02. Return of the Prodigal Son [Cowherd] 8:54
03. Stoner Hill [Blade] 3:19
04. Season of Changes [Cowherd] 12:00
05. Most Precious One [Blade] 2:50
06. Most Precious One (Prodigy) [Blade] 3:11
07. Improvisation [Cowherd, Walden] 3:56
08. Alpha and Omega [Blade] 1:28
09. Omni [Blade] 6:10

Ouça um pouco do álbum no site da gravadora Verve.

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Veja o vídeo de Brian Blade & The Fellowship Band tocando um trecho de “Return of the Prodigal Son”:

O tempo presente de James Carter

2009-01-28T22:56:00.004-02:00

Lançado em 2008 pela gravadora Emarcy, o álbum Present Tense é obra do multi-instrumentista James Carter, responsável por tocar os saxofones soprano, tenor e barítono, além de flauta e clarinete baixo. Assim como procura diferentes sonoridades nos instrumentos que toca, Carter explora diferentes facetas do jazz, tais como o cool, o hard bop, a bossa e outros. O jazz do século XXI tem em Carter uma figura de destaque e um artista de alto nível.

O álbum inicia com “Rapid Shave”, um hard bop com mudanças de andamento que principia com um ritmo acelerado puxado pelo baterista Victor Lewis e pelo baixista James Genus. O trompetista Dwight Adams injeta bastante energia à melodia e é também quem determina o motivo da canção. O pianista D.D. Jackson dá seguimento e mantém o ritmo acelerado, enquanto prepara o caminho para o sax barítono de James Carter, que primeiramente diminui a velocidade da canção para depois ingressar em uma nova aceleração tendo a seção rítmica como parceira nesse intento. O solo de baixo de Genus desacelera a canção mais uma vez, mas não por muito tempo, pois Lewis prenuncia o encerramento com todos os instrumentos tocando com muita energia.

Em “Bro. Dolphy”, composição de Carter em homenagem a Eric Dolphy, temos uma canção com dois momentos distintos após uma breve introdução. Primeiro ouve-se um cool jazz com belos solos de clarinete baixo de Carter, que por vezes ganha o acompanhamento do trompete de Adams, além de um dedilhado elegante de Jackson ao piano. Depois, a partir de uma ruptura marcada nos pratos da bateria de Lewis, a canção se transforma em um avant-garde com direito a improvisações livres que abruptamente dão fim à faixa.

O sax soprano de Carter em “Pour Que Ma Vie Demeure”, composição de Django Reinhardt, dá um clima romântico à canção, enquanto o baixo de Genus e a bateria de Lewis perpetuam um ar nostálgico.

“Sussa Nita” tem um ritmo bem balanceado que é desenvolvido por meio do baixo de Genus, da bateria de Lewis, da guitarra de Rodney Jones e da percussão de Eli Fountain. Com esse fundo, Carter pode solar com liberdade em seu sax tenor. O resultado é uma canção com ritmo cadenciado com direito a bons solos de guitarra, sax e piano.

“Song of Delilah” tem uma longa introdução, na qual o sax soprano de Carter toca uma melodia com clara influência oriental. Depois disso, a canção se assenta em um ritmo constante e bem marcado que possibilita um belo dueto entre o sax tenor de Carter e o trompete de Adams.

Em “Dodo’s Bounce”, a seção rítmica com a bateria de Lewis, o baixo de Genus e a guitarra de Jones trabalha para que a flauta de Carter e o trompete de Adams possam desenvolver o tema recorrente da melodia. Nesse ínterim ainda há espaço para os solos de bateria e guitarra, que se integram aos sopros.

“Shadowy Sands” é uma agradável canção que embala o ouvinte com seu ritmo lento e constante, que é acrescido em malemolência e qualidade pela percussão de Fountain. Carter encontra o caminho perfeito para solar docemente com seu clarinete baixo em uma execução sem surpresas e linear, que é seguida pelo trompete de Adams. O dueto final entre os sopros é muito bonito por explorar muito bem a diferença entre os timbres dos instrumentos nos mesmos fraseado.
O ritmo acelera bastante em “Hymn of the Orient”, canção cuja execução de Lewis, Genus e Jackson proporciona duetos e solos cheios de vivacidade por parte do trompete de Adams e do sax barítono de Carter.

Como o título não faz questão alguma de esconder, “Bossa J.C.” é uma canção ao estilo jazzy bossa nova composta por Carter. A guitarra de Jones e a percussão de Fountain dão ao trio Lewis, Genus e Jackson o tom ideal para soar similar a Jobim, a clara influência para o compositor. Os solos de sax tenor de Carter e de trompete de Adams são um tanto conservadores e permanecem recorrentes ao tema da melodia.

O trompete com surdina e o sax barítono dão um lindo contraste ao dueto inicial de “Tenderly”, a canção que encerra o álbum. O clima cool jazz é imperativo nesta faixa, na qual a seção rítmica limita-se a fazer o acompanhamento para que Carter e Adams definam os rumos da melodia.

Tocando cinco instrumentos em Present Tense, James Carter concebeu um ótimo álbum que transita por diferentes estilos do jazz. Ao longo de sua carreira, Carter lançou vários CDs, um diferente do outro, até esse que retoma, de certo modo, a sonoridade que o fez figurar como uma das maiores promessas do jazz no início da década de 1990. Sua habilidade e destreza como multi-instrumentista faz de James Carter uma importante figura para a música atual e uma realidade que abrilhanta o jazz do século XXI.

Todos os músicos que participaram do álbum:
James Carter: sax soprano, sax tenor, sax barítono, flauta e clarinete baixo;
Dwight Adams: trompete e flugelhorn;
D.D. Jackson: piano;
James Genus: baixo;
Victor Lewis: bateria;
Rodney Jones: guitarra (4, 6 e 9);
Eli Fountain: congas e percussão (4, 7 e 9).

Faixas de Present Tense:
01. Rapid Shave [Burns] 7:31
02. Bro. Dolphy [Carter] 7:15
03. Pour Que Ma Vie Demeure [Reinhardt] 5:08
04. Sussa Nita [Carter] 6:05
05. Song of Delilah [Evans, Livingston, Young] 5:12
06. Dodo's Bounce [Marmarosa] 6:05
07. Shadowy Sands [Jones] 8:31
08. Hymn of the Orient [Gryce] 4:26
09. Bossa J.C. [Carter] 4:45
10. Tenderly [Gross, Lawrence] 8:18

Ouça um pouco do álbum no site Last.fm.

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Veja este vídeo com a música “Pour Que Ma Vie Demeure”:

One For All quer saber o que está acontecendo

2009-01-20T13:41:00.006-02:00

Lançado em 2007 pela gravadora japonesa Venus, o álbum What’s Going On? do grupo One For All reúne seis grandes instrumentistas do jazz atual, tendo no saxofonista Eric Alexander a figura de maior destaque. Jim Rotondi e Steve Davis, trompete e trombone, respectivamente completam a linha de frente dos instrumentos de sopro, enquanto David Hazeltine, Joe Farnsworth e John Webber formam a seção rítmica. Desenvolvido de maneira paralela às carreiras dos seis músicos, o grupo encontrou neste álbum uma maneira de se expressar jazzisticamente através de composições da soul e da black music. O resultado é um CD de muita qualidade de transita pelo swing e pelo hard bop.

A faixa de abertura, “What’s Going On?”, que também dá nome ao álbum, começa em ritmo forte e acelerado capitaneado pelo baixo de John Webber, pela bateria de Joe Farnsworth e pelo piano de David Hazeltine. A inclusão do trompete de Jim Rotondi, do sax tenor de Eric Alexander e do trombone de Steve Davis dá bastante balanço à canção. Apesar de ser um sexteto, o grupo quase soa como uma big band, pois os três instrumentos de sopro tocam muito bem alinhado permitindo ao solista uma forte sustentação sonora que ainda tem o apoio de uma seção rítmica exemplar.

“How Sweet It Is (To Be Loved By You)” é uma canção cheia de swing. De início o solo de sax tenor de Alexander sustentado por Davis e Hazeltine dá a direção musical, que é seguida no solo de trombone de Davis e prossegue, posteriormente, no solo de trompete de Rotondi. Hazeltine que vinha fazendo o acompanhamento assume a condução melódica até os sopros, encabeçados por Alexander, retomarem a frente em execuções cheias de balanço. Estruturalmente a canção é simples, mas seu swing é envolvente. O difícil é não se deixar levar pelo ritmo e pela melodia.

O ritmo acelerado puxado pela bateria de Farnsworth e pelo baixo de Webber em “Let’s Stay Together” dá a direção aos demais instrumentos. Alexander sola com bastante liberdade nessa faixa, bem como Rotondi que toca suas notas com bastante rapidez. Nesta versão hard bop, todo o grupo mostra muita coesão, mas o destaque maior ainda é para o saxofonista responsável pelo motivo da canção.

“Reasons” tem um quê de bossa, principalmente em função do ritmo malemolente produzido por Farnsworth e Webber. A batida constante é a sustentação para o desenvolvimento dos solos de Alexander, Rotondi, Davis e Hazeltine. Quando todos os instrumentos estão tocando juntos, novamente cabe ao saxofonista a condução da melodia. O sexteto consegue encontrar a medida perfeita entre a bossa e a balada para realizar uma canção com um swing muito agradável. Apenas siga no embalo.

“Golden Lady” explora muito bem os recursos do sexteto, uma vez que os instrumentos de sopro progridem em conjunto e trocam os papéis de condutor da melodia e de acompanhamento com bastante desenvoltura. Ao assumir a frente melódica com seu piano, Hazeltine dá início à sessão de solos, que prossegue com o trompete de Rotondi e o sax tenor de Alexander. Quando todos voltam a tocar juntos o que se tem é uma deliciosa jam session cheia de balanço, que mesmo com o atravessamento de Davis no final não é afetada.

A marcação rítmica do baixo de Webber e da bateria de Farnsworth em “For the Love of You” dão ao piano de Hazeltine o espaço para trilhar uma linha melódica cheia de swing, que é enriquecida pelos sopros. Mais uma vez o destaque é a integração do grupo, no qual cada solista tem a certeza de que a melodia terá um seguimento coerente, enquanto a seção rítmica dá a sustentação ao trabalho do sexteto, principalmente pela precisão e competência de Farnsworth.

“Stop! In the Name of Love” tem um cadenciamento mais pop com clara influência da black music, que dá ao trompete de Rotondi e ao trombone de Davis o destaque maior. Claramente a melodia cresce quando há a participação dos dois músicos citados, porque ambos são responsáveis pelo refrão em uma canção naqual a marcação estrofe e refrão é bem evidente. Embora não tenha sido composta como um jazz, a versão do One For All funciona e empolga.

“Moon Blue” tem um tema principal conduzido pelo trio Rotondi, Alexander e Davis, que intercalado pelos solos ora swingado de Alexander, ora enérgico de Rotondi, ora cheio de balanço de Davis, ora acelerado de Hazeltine, sempre volta para estabelecer os elos entre as diferentes partes da canção. Ao fundo Farnsworth e Webber estão a estabelecer a medida exata de onde cada solista pode ir. Com essa seção rítmica, certamente, eles podem ir em segurança.

A nona e última canção do álbum, “Betcha By Golly, Wow”, tem uma levada característica da Swing Era e dá oportunidade a todos os músicos para desenvolver as suas sonoridades em solos ou duetos. A melodia simples é de fácil acompanhamento pelo ouvinte e, talvez, esse seja um de seus trunfos.

A coesão entre os músicos do One For All é a principal razão para o grupo soar tão bem. Ainda que a fama maior recaia no saxofonista Eric Alexander, que é com razão um dos principais nomes do sax tenor atual, Joe Farnsworth e Jim Rotondi também são a alma desse sexteto. Ainda assim, como não valorizar o excelente trabalho de David Hazeltine, John Webber e Steve Davis? Ao reunir tantos nomes importante do jazz do século XXI, o One For All é uma seleção de ótimos instrumentistas, que levam em paralelo bem-sucedidas carreiras como líderes e sidemen. What’s Going On? é altamente recomendável para quem deseja ouvir músicos de primeira qualidade em um trabalho com cara de reunião de amigos.

Todos os músicos que participaram do álbum:
Eric Alexander: saxofone tenor
Jim Rotondi: trompete
Steve Davis: trombone
David Hazeltine: piano
John Webber: baixo
Joe Farnsworth: bateria

Faixas de What’s Going On?:
01. What's Going On? [Benson, Cleveland, Gaye] 6:50
02. How Sweet It Is (To Be Loved by You) [Dozier, Holland] 5:23
03. Let's Stay Together [Green] 8:06
04. Reasons [Bailey, White] 6:53
05. Golden Lady [Wonder] 5:51
06. For the Love of You [Isley] 6:24
07. Stop! In the Name of Love [Dozier, Holland] 5:31
08. Moon Blue [Wonder] 4:59
09. Betcha by Golly, Wow [Bell, Creed] 7:42

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As pequenas coisas de Ben Allison correm o mundo

2009-01-03T12:07:00.010-02:00

Lançado em janeiro de 2008 pela gravadora Palmetto, o álbum Litte Things Run the World do baixista Ben Allison é mais um ponto positivo na bem-sucedida carreira deste músico vanguardista. Cada solo escrito por Allison para os instrumentos de sopro ou cordas neste álbum não é óbvio, o que garante um grande destaque ao trompetista Ron Horton que é responsável por algumas das melhores passagens nas oito canções do CD. Sem Horton, Little Things Run the World perderia muito do seu brilho.

“Respiration”, a primeira faixa do álbum, traz um belo trabalho de entrosamento entre o baixo de Ben Allison, a guitarra de Steve Cardenas e a bateria de Michael Sarin, pois conseguem ditar a direção rítmica da canção e conferem uma sonoridade com um quê de espanhola à canção, enquanto o trompete de Ron Horton sola entre fraseados curtos até que as seis cordas de Cardenas assumam a frente da melodia. Destaque para o dueto final de trompete e guitarra.

Em “Little Things Run the World”, canção que dá nome ao álbum, Allison e Sarin tomam total controle do ritmo e do balanço, o que permite liberdade para os solos de Horton e Cardenas, que ainda ganham a companhia de Michael Blake no saxofone tenor. Nesse momento, a canção atinge um ápice no melhor estilo hard bop, no qual todos os instrumentos conseguem juntos construir uma unidade muito forte.

A sonoridade latina que abre “Four Folk Songs” prenuncia uma composição peculiar, cuja primeira parte privilegia a percussão e o trompete. Em seguida, é a guitarra quem conduz uma melodia suave, enquanto o trompete ensaia algo como um mantra, que se desfaz em um balanço agradável que nasce a partir de um crescendo do baixo, da bateria e do próprio trompete. Nesse momento é a guitarra que passa a conduzir a melodia até iniciar um novo dueto com o trompete, que termina intensa e bruscamente. As várias mudanças de andamento dessa canção são seus principais atrativos, dando a Allison um importante destaque como compositor e a Horton como intérprete.

Allison, Sarin e Cardenas dão a “Language of Love” uma deliciosa cadência de quem vai chegando aos poucos ao melhor estilo cool. Horton adiciona o seu trompete ao grupo e mntém o clima já desenvolvido. A sequência é uma deliciosa balada com um ar de mistério e ótimos solos de baixo e trompete. Interpreto os fraseados finais da guitarra de Cardenas e do trompete de Allison como os gracejos e galanteios dos amantes ao se conhecerem.

“Roll Credits” é uma ótima canção centrada parte nos olos suaves e expansivos de Horton no trompete, parte nos solos viajantes de Cardenas. A sustentação, porém, está no bom entrosamento do baixo de Allison e da bateria de Sarin que dão um gostoso balanço à canção. Alguém mais notará semelhança de alguns acordes com o standard “Speak Low” nesta faixa?

“Blowback” explora o contraste entre o ritmo forte e bem marcado pelo baixo de Allison e a bateria de Sarin com a melodia suave e viajante construída nos solos de guitarra de Cardenas, no trompete de Horton e no saxofone soprano de Blake. O resultado é um som que segue em progressão incorporando cada instrumento em uma unidade harmônica, na qual fica muito claro todo o processo de criação (início), a soma dos elementos constituídos pela seção rítmica e pela base melódica em um arranjo uniforme (meio) e a fragmentação que muda o andamento da canção e prepara o seu fim.

A versão com grande influência blueseira de “Jealous Guy”, composta por John Lennon, explora muito bem o dueto entre o baixo de Allison e o trompete de Horton. É curioso que nesta faixa do álbum, que não é de autoria de Allison, ele tenha mais liberdade para solar.

Na última faixa do álbum, “Man Size Safe”, o baixo de Allison destaca-se ao marcar quase hipnoticamente o ritmo, do início ao fim da canção, usando a mesma base. Enquanto isso, cada um a seu turno, os instrumentos responsáveis por conduzir a melodia travam empolgantes duetos com o baixo. Após os duetos de Allison e Horton, Allison e Cardenas, e Allison e Blake, ainda há lugar para o solo de Sarin, que religa o fim com o início da canção.

Com este álbum, Ben Allison prova mais uma vez porque é um músico de destaque na atual cena jazzística de Nova York, afinal suas composições são empolgantes, fogem da obviedade e acrescentam um importante valor artístico ao jazz do século XXI.

Todos os músicos que participaram do álbum:
Ben Allison: baixo, violão;
Ron Horton: trompete, flugelhorn;
Steve Cardenas: guitarra;
Michael Sarin: bateria;
Michael Blake: saxofone tenor (2, 8), saxofone soprano (6).

Faixas de Little Things Run the World:
01. Respiration [Allison] 5:55
02. Little Things Run the World [Allison] 5:35
03. Four Folk Songs [Allison] 5:42
04. Language of Love [Cardenas] 8:22
05. Roll Credits [Allison] 6:09
06. Blowback [Allison] 7: 13
07. Jealous Guy [Lennon] 7:20
08. Man Size Safe [Allison] 7:00

Ouça um pouco do álbum no site Lastfm.com.

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Veja o vídeo de Ben Allison tocando “Respiration”:

Veja o vídeo de Ben Allison tocando “Four Folk Songs”:

Veja o vídeo de Ben Allison tocando “Language of Love”:

O piano em turbilhão de Matthew Shipp

2008-12-30T13:17:00.005-02:00

Lançado em 2007 pela gravadora Thirsty Ear, Piano Vortex marca 20 anos da primeira gravação do pianista Matthew Shipp como líder. Se anteriormente o uso de efeitos eletrônicos vinha sendo corriqueiro em suas gravações, neste álbum Shipp deixa com que apenas o piano, o baixo e a bateria sejam responsáveis pela sonoridade do grupo. Acompanhado pelo baterista Whit Dickey e pelo baixista Joe Morris (mais conhecido como guitarrista), Shipp apresenta oito composições originais de um jazz vanguardista e desafiador. Para saber alguns dos rumos do jazz neste século XXI é bom manter um olho e dois ouvidos em Matthew Shipp.

A faixa-título, “Piano Vortex”, que abre o álbum, começa com um denso dedilhar de Matthew Shipp acompanhado pelo baixo bem marcado de Joe Morris, que confere bastante sobriedade ao trabalho. A melodia não é nem um pouco linear, uma vez que o piano experimenta diversos tons na construção do som e por vezes, logo após encontrar uma nota mais simples e melodiosa, esta é abandonada por algo mais elaborado. Whit Dickey na bateria e Morris limitam-se ao acompanhamento e por isso mesmo contribuem decisivamente para a identidade densa da canção.

“Key Swing” é a faixa mais acessível do álbum. Tudo parece muito simples nesta canção e talvez esse seja o motivo de tudo funcionar tão bem. O ritmo ditado por Morris e Dickey é fácil de acompanhar, bem como a melodia cheia de balanço puxada por Shipp. Ainda que essa canção seja curta, a melodia pode ficar muito tempo tocando dentro da sua cabeça.

A introdução de Morris usando um arco no baixo em “The New Circumstance” nos prepara para mais uma canção densa, na qual Shipp faz uso de uma técnica lenta e cheia de lacunas, que vai acelerando aos poucos até ganhar forma e dominar por completo a sonoridade do trio. Com precisão Dickey acompanha o piano, reforçando o peso da melodia.

“Nooks and Corners” usa intrincadas notas extraídas do piano de Shipp em um swing frenético que encontra o bop e ocasiona um peculiar andamento à canção.

Em “Sliding Through Space” cada instrumento vai se mostrando aos poucos, como quem quer ganhar o seu espaço e construir uma história. O baixo com arco de Morris e a bateria de Dickey surgem em par ditando um ritmo complexo e, mais uma vez denso. O piano de Shipp, que, inicialmente, parece contribuir para uma desarmonia, depois assume o papel de conduzir uma melodia intensa que contrasta com o ritmo crescente e quase sombrio de Morris e Dickey. Essa é uma ótima amostra de jazz de vanguarda, que poderia muito bem ilustrar uma cena de crescente suspense em algum filme hollywoodiano.

“Quivering with Speed” traz um ritmo acelerado puxado por Dickey e Morris, enquanto Shipp conduz a melodia de modo igualmente rápido, construindo uma peça de difícil acesso que precisa ser ouvida várias vezes para que o papel de cada instrumento seja bem compreendido no contexto da canção. A complexidade e a técnica de Shipp nesta faixa são desafios para o ouvinte.

“Slips Through the Fingers” é uma peça de piano solo, na qual Shipp explora os registros mais baixos de seu instrumento. Esta é uma faixa bem intimista que se revela lentamente a cada nova audição.

A última canção, “To Vitalize”, adiciona swing ao trabalho do trio, uma vez que Dickey e Morris ditam o ritmo cheio de balanço, sobre o qual Shipp constrói a melodia. O resultado é um piano que avança além do swingar e procura outras linguagens para se expressar. Essa é a faixa do álbum em que Shipp mais se aproxima de uma de suas principais influências: Thelonious Monk. Por vezes tocando repetidamente a mesma nota, deixando lacunas ou acelerando a melodia, o pianista demonstra muita técnica e uma ótima capacidade de improvisação, bem como uma integração muito afinada com a seção rítmica, como fica claro no solo final de Morris, no qual piano e baixo conseguem uma ótima integração e se tornam instrumentos complementares e contínuos.

Neste álbum, Matthew Shipp abriu mão de recursos eletrônicos para gravar no conhecido esquema de trio piano-baixo-bateria apenas com composições próprias. Shipp, uma das lideranças do jazz atualmente, mostra com este trabalho a sua grande qualidade como intérprete e compositor em peças complexas com andamentos que desafiam os ouvintes. Piano Vortex é recomendado para quem já tem mais afinidade com o jazz de vanguarda e não espera melodias fáceis para cantarolar ou assoviar.

Todos os músicos que participaram do álbum:
Matthew Shipp: piano;
Joe Morris: baixo (exceto faixa 07);
Whit Dickey: bateria (exceto faixa 07).

Faixas de Piano Vortex:
01. Piano Vortex [Shipp] 10:26
02. Key Swing [Shipp] 3:21
03. The New Circumstance [Shipp] 9:11
04. Nooks and Corners [Shipp] 4:10
05. Sliding Through Space [Shipp] 8:54
06. Quivering with Speed [Shipp] 6:38
07. Slips Through the Fingers [Shipp] 3:17
08. To Vitalize [Shipp] 7:13

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As vibrações orgânicas de Joey DeFrancesco

2008-10-26T11:09:00.007-02:00

O órgão Hammond B3 tocado por Joey DeFrancesco no álbum Organic Vibes, lançado em 2006 pela Concord Jazz, pertenceu ao lendário Jimmy Smith, um dos mentores do líder deste grupo. A idéia de DeFrancesco neste álbum era expandir a sonoridade conjunta do órgão e do vibrafone, por isso o álbum recebeu o título que tem. De acordo com o organista, esse dueto nunca foi muito explorado, mas apresentou bons resultados, portanto essa seria uma boa oportunidade para trabalhar essa sonoridade. O vibrafonista escolhido para o álbum foi o veterano Bobby Hutcherson, que encontrou grande afinidade musical com DeFrancesco. Juntos realizaram um grande álbum e o objetivo do organista certamente foi alcançado.

A faixa inicial do álbum, “The Tackle”, começa com um ritmo swingado, que se desenvolve em uma batida mais bop, na qual destacam-se os solos de vibrafone de Bobby Hutcherson e do sax tenor de Ron Blake. Ao fundo, na condução rítmica está o baterista Byron Landham, o guitarrista Jake Langley e, por vezes, o organista Joey DeFrancesco, até que este direciona o seu Hammond B3 para o primeiro plano e nele executa um solo ágil cheio de balanço. O resultado de tudo isso é um hard bop de primeira qualidade.

Em “Little B’s Poem” a flauta de Blake soando contemplativa, o Hammond B3 de DeFrancesco quase frenético em alguns momentos e o vibrafone de Hutcherson estabelecendo uma ponte dão um refinamento à canção. A perfeita integração entre esses instrumentos é o que faz o sucesso da melodia que a todo momento se mantém bastante progressiva.

“I Thought About You” tem no belo dueto de DeFrancesco e Hutcherson o seu ponto alto. Enquanto Landham conduz o ritmo usando vassourinhas, à frente na condução melódica desta deliciosa balada estão o Hammond B3 e o vibrafone, que travam um diálogo de muita afinidade e transformam a sonoridade sentimental da canção em um casamento feliz entre os dois instrumentos.

“Somewhere in the Night” adiciona o sax tenor do veterano George Coleman ao trio original (DeFrancesco, Hutcherson e Landham), que enriquece o tema central da canção, que se desenvolve e é executado com muita propriedade nos duetos entre o Hammond B3 e o vibrafone. O curto solo de guitarra de Langley acrescenta ainda mais qualidade à melodia e através da ponte feita por DeFrancesco temos acesso a um agradável solo de Coleman, que devolve para o organista a função de conduzir, junto com Landham, a canção.

“Down the Hatch” tem um balanço muito gostoso na melodia, que é em grande parte responsabilidade do sax tenor de Coleman. Landham e DeFrancesco fazem o plano de fundo para que o sopro ganhe destaque inicialmente. Quando o Hammond B3 passa para o primeiro plano, o que se tem é uma demonstração de grande habilidade e um ótimo senso de swing por parte de DeFrancesco.

A versão hard bop de “Speak Low” é surpreendentemente boa. Quem espera uma versão lenta e intimista como de costume também é feita para esse standard também será surpreendido. O ritmo acelerado puxado por Landham é seguido com grande competência por Coleman, que junto a DeFrancesco mudam a cara da canção. Certamente este é um dos pontos altos do álbum, pois os músicos conseguiram fazer desta versão hard bop uma referência de como tocar “Speak Low”.

“Jeneane’s Dream” funciona muito bem com Hutcherson e DeFrancesco tocando a mesma nota em uma harmonia muito bonita que dá os ares iniciais dessa balada. Em seus solos, ambos mantém o alto nível em que a melodia vinha sendo conduzida e acrescentam suas interpretações ao tema central. O resultado é uma canção de fácil e agradável acompanhamento por parte do ouvinte.

O clima intimista de “My Foolish Heart” é perfeito para demonstrar a integração obtida por Hutcherson e DeFrancesco. A tônica da canção é o Hammond B3 fazendo a base para que o vibrafone tome o lugar principal em guiar a melodia, o que Hutcherson realiza com grande propriedade. Toda a motivação sentimental da canção é muito bem captada e expressa nesta versão.

O álbum é fechado com “Colleen”, uma canção que começa com uma clara inspiração na bossa nova. O sax soprano de Blake dá ainda mais suavidade à melodia, que flui com grande leveza, enquanto o ritmo puxado por Landham é bem marcado e até estático. O solo de Langley dá continuidade ao trabalho do soprano colocando a interpretação das seis cordas para o tema central, que ainda é expandido na interpretação de DeFrancesco, que se permite mais liberdade na improvisação.

A idéia de juntar o Hammond B3 que pertenceu a Jimmy Smith e o vibrafone de Bobby Hutcherson funcionou muito bem nesse álbum, que faz de Joey DeFrancesco um dos principais organistas de jazz da atualidade. A maneira como DeFrancesco sabe se colocar nas canções, ora como principal condutor da melodia, ora como mero coadjuvante, explica em grande parte o sucesso na execução do repertório de Organic Vibes, uma vez que ele não se comporta como uma estrela que precisa ser a mais brilhante o tempo todo, mas trabalha na harmonia musical, o que é o ponto forte desse grupo. Altamente recomendável, Organic Vibes deve agradar aos fãs do órgão Hammond B3 e também aos aficionados por vibrafone.

Todos os músicos que participaram do álbum:
Joey DeFrancesco: órgão Hammond B3;
Bobby Hutcherson: vibrafone;
Ron Blake: saxofone tenor, saxofone soprano, flauta (1, 2, 9);
George Coleman: saxofone tenor (4, 5, 6);
Jake Langley: guitarra (1, 4, 9);
Byron Landham: bateria.

Faixas de Organic Vibes:
01. The Tackle [DeFrancesco] 8:09
02. Little B's Poem [Hutcherson] 6:29
03. I Thought About You [Mercer, VanHeusen] 9:26
04. Somewhere in the Night [Reid, Reid] 8:33
05. Down the Hatch [DeFrancesco] 6:51
06. Speak Low [Nash, Nash, Weill] 7:52
07. Jeneane's Dream [Landham] 4:21
08. My Foolish Heart [Washington, Young] 6:06
09. Colleen [DeFrancesco] 6:43

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Veja o vídeo de Joey DeFrancesco e Bobby Hutcherson tocando “Litte B’s Poem”:

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Veja o vídeo de Joey DeFrancesco e Bobby Hutcherson tocando “I Thought About You”:

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Veja o vídeo de Joey DeFrancesco e Bobby Hutcherson tocando “Somewhere in the Night”:

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Veja o vídeo de Joey DeFrancesco tocando “Speak Low”:

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Veja o vídeo de Joey DeFrancesco e Bobby Hutcherson tocando “My Foolish Heart”:

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Veja o vídeo de Joey DeFrancesco e Bobby Hutcherson tocando “Just Friends” (canção não incluída no álbum):

Veja o vídeo de Joey DeFrancesco e Bobby Hutcherson tocando “Take the Coltrane” (canção não incluída no álbum):

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Você está convidado a adentrar o cinema invisível de Aaron Parks

2008-10-11T12:53:00.006-03:00

Lançado em 2008 pela gravadora Blue Note, Invisible Cinema é o primeiro trabalho de Aaron Parks como líder para uma gravadora maior. Conhecido por ser o pianista do grupo do trompetista Terence Blanchard, Parks apresenta dez composições próprias, que fazem referência a um jazz “espontâneo” e “cinemático”, conforme definições do próprio Parks. O talento do pianista e seus duetos viajantes com o guitarrista Mike Moreno são destaques de Invisible Cinema.

“Travelers”, a primeira faixa do álbum, puxa o ouvinte para duas rotas diferentes, porque de um lado o baterista Eric Harland executa uma base de jazz-funk; enquanto, o pianista Aaron Parks toca uma melodia cheia de recursos e que se constrói o tempo todo, que ao final da canção se transforma em uma melodia clássica, tanto que se ouvido separadamente, o solo de Parks é próximo de uma sonata.

A bela melodia de piano de “Peaceful Warrior” é a marca dessa canção por sua suavidade e apurado senso estético. A bateria de Harland e o baixo de Matt Penman conduzem o ritmo para que Parks para solar espontaneamente, o que ele faz com maestria. A melodia introspectiva passa por uma transformação e uma mudança de andamento com a entrada do solo do guitarrista Mike Moreno que adiciona um balanço à canção. O diálogo entre o piano e a guitarra é a tônica da segunda parte da canção. Uma nova mudança de andamento faz a melodia voltar à introspecção, quando Parks, tocando belas notas, conduz a canção para o seu empolgante final. Apenas nessa canção, o pianista já mostra ser cheio de recursos como intérprete e compositor, pois “Peaceful Warrior” é uma bela obra-de-arte.

“Nemesis” se constrói a partir do piano de Parks tocando repetidamente a mesma nota e Moreno fazendo um solo repleto de lacunas. O efeito do piano, do baixo e da bateria é quase hipnótico, pois o ritmo é meticulosamente mantido até que Parks se liberta para solar. Mas é um engano pensar que o piano está realmente liberto, pois Parks volta a marcar o ritmo com uma das mãos e tocar um glockenspiel com a outra; enquanto, Moreno conduz a melodia com um solo viajante à Pat Metheny.

“Riddle Me This” tem um ritmo constante e bem marcado pelo baixo de Penman e a bateria de Harland, enquanto o piano de Parks, acompanhado pela guitarra de Moreno, produz uma melodia que tem um crescendo e que vai envolvendo até acabar bruscamente. Já “Into the Labyrinth” é uma canção solo de Parks, na qual uma atmosfera intimista é preponderante.

A primeira parte de “Karma” contrasta o ritmo balançante de Harland e Penman com a melodia introspectiva de Parks e Moreno. A progressão da canção vai dando mais liberdade ao pianista e ao guitarrista que são responsáveis por belos duetos em uma peça que se caracteriza por sua espontaneidade e por seu estilo viajante, que conduz o ouvinte devido a sua fluidez. Parks e Moreno conseguem um entrosamento muito bom nessa faixa, e o mesmo pode ser dito de Penman e Harland, o que faz o trabalho do quarteto excelente.

“Roadside Distraction” cativa por seu balanço, que incorpora alguns elementos bluesy. Parks e Moreno dialogam bem na construção da melodia, enquanto Penman e Harland de maneira competente fazem o acompanhamento.

“Harvesting Dance” encontra na melodia elegantemente conduzida por Parks a sua força central, que é bem distribuída nas batidas bem marcadas por Harland, no baixo seguro de Penman e, principalmente, nos solos e acompanhamentos de Moreno, que encontra muita liberdade para deixar sua sonoridade fluir. É fácil deixar-se envolver pela canção, porque ela é muito bem construída e os duetos de guitarra e piano são repletos de energia.

A suavidade na condução rítmica de Harland e Penman em “Praise” encontra no piano de Parks, e no acompanhamento de Moreno, uma peça de grande beleza. Trata-se de uma canção em que o piano está em primeiro plano, o que faz de Parks o responsável por uma melodia tão agradável. Apesar de lenta, não é uma balada; apesar de suave, não soa intimista; “Praise” é uma linda canção que cativa.

O álbum encerra com “Afterglow”, uma canção solo de Parks com um tom intimista, na qual ele desenvolve um tema sem nunca se afastar da sua referência inicial.

Já considerado como um dos grandes lançamentos de jazz de 2008, Invisible Cinema, que alcançou a posição 21 no Top Jazz Albums da Billboard, dificilmente deixará de dar alguma premiação ao pianista e compositor Aaron Parks nas tradicionais eleições de melhores do ano. O álbum é consistente e apresenta canções de qualidade, além de mostrar não apenas o talento e a capacidade técnica de Parks, mas traz também um grupo de talentosos músicos que juntos realizam um grande trabalho. Parks é um dos mais promissores pianistas de sua geração e alguém de quem pode-se esperar muita contribuição para o jazz o século XXI.

Todos os músicos que participaram do álbum:
Aaron Parks: piano, mellotron (3), glockenspiel (3), teclado (3, 5, 6, 8);
Mike Moreno: guitarra (2, 3, 4, 6, 7, 8 e 9);
Matt Penman: baixo (1, 2, 3, 4, 6, 7, 8 e 9);
Eric Harland: bateria (1, 2, 3, 4, 6, 7, 8 e 9).

Faixas de Invisible Cinema:
01. Travelers [Parks] 5:34
02. Peaceful Warrior [Parks] 9:39
03. Nemesis [Parks] 6:14
04. Riddle Me This [Parks] 2:43
05. Into the Labyrinth [Parks] 2:53
06. Karma [Parks] 8:06
07. Roadside Distraction [Parks] 2:44
08. Harvesting Dance [Parks] 9:35
09. Praise [Parks] 4:43
10. Afterglow [Parks] 2:45

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Veja o vídeo de Aaron Parks tocando “Travelers”:

Veja o vídeo de Aaron Parks tocando “Peaceful Warrior”:

Veja o vídeo de Aaron Parks tocando “Nemesis”:

Regina Carter estará com você nesta jornada sentimental

2008-10-05T09:05:00.006-03:00

Lançado em 2006, pela gravadora Verve, o álbum I’ll Be Seeing You: A Sentimental Journey é uma homenagem a Grace Louise Carter, a falecida mãe da violinista Regina Carter. O repertório escolhido é composto pelas canções prediletas da mãe dela, a maior parte standards norte-americanos, blues e canções da Swing Era. O clima nostálgico é constante em todo o álbum, o que faz deste CD uma bela oportunidade para apreciar composições de Hart, Rodgers, Ellington e outros com uma ótima qualidade de gravação. Prepare-se para 66 minutos de muito swing.

A primeira faixa do álbum é uma versão post-bop de “Anitra’s Dance”, do compositor pós-romântico norueguês Edvard Grieg, parte da célebre obra Peer Gynt. A apropriação jazzística da canção deu nova vida à obra, pois a adição da seção rítmica com Alvester Garnett na bateria e Matthew Parrish no baixo incorpora mais dinamismo ao conjunto, uma vez que a melodia, conduzida por Regina Carter no violino, Gil Goldstein no acordeom e Xavier Davis no piano, é acelerada e ganha muito em balanço. Destaque para o dueto entre o violino e o clarinete de Paquito D’Rivera, apoiado na seção rítmica, que dá um ritmo dançante à canção, que, naturalmente, não existia na composição original.

“Little Brown Jug”, popularizada com a orquestra de Glenn Miller, retorna, nesta versão, para as suas origens de canção folk. Tocada por um pequeno grupo, a melodia é levada pelo violino de Carter, que em primeiro plano ganha o destaque principal, enquanto o acordeom de Goldstein e o clarinete de D’Rivera complementam o som deixando-o mais robusto. O trio piano, baixo e bateria faz o acompanhamento com muita precisão, ditando o ritmo sem atrair para si o foco principal.

“Bei Mir Bist Du Schön”, uma canção de origem judaica com versos cantados em inglês, popularizada pelas Andrews Sisters nos anos 1930 e depois gravada por Benny Goodman, tem a participação da cantora Dee Dee Bridgewater. A fusão de folk e swing é a tônica da canção, que conta ainda com belos diálogos entre o violino e o clarinete, além de uma interpretação empolgante de Bridgewater com direito a scat singin’.

A beleza de “Sentimental Journey” na interação entre o baixo de Parrish, que conduz o ritmo, mas também dialoga com violino de Carter e o clarinete de D’Rivera. Com uma levada blues, a canção consegue o seu objetivo que é soar sentimental. Os solos de Carter e D’Rivera sofrem mudanças de andamento como que cantando versos de um velho blues, que expressa uma dor interior. Um ponto alto do álbum.

“You Took Advantage of Me” é cantada por Carla Cook, que faz uma bela interpretação. Os demais instrumentos são relegados ao papel de meros acompanhadores, exceto o violino de Carter que ganha mais espaço com um solo cheio de balanço, na parte mais swingada da canção.

“St. Louis Blues”, que ganhou enorme popularidade com Bessie Smith e Louis Armstrong, nesta versão tem seus versos cantados por Cook. Destaque para os solos em seqüência, primeiro de violino de Carter, depois de acordeom de Goldstein e posteriormente de clarinete de D’Rivera. Carregada de sentimento em sua voz, Cook merece elogios por sua interpretação de uma mulher que sofre por seu amado.

“A-Tisket, A-Tasket”, eternizada na voz de Ella Fitzgerald, ganha aqui uma versão instrumental, na qual o violino de Carter puxa a conhecida melodia onde a voz se encaixaria. O baixo de Parrish e a bateria de Garnett dão o caminho certo para os demais instrumentos conduzirem a melodia com muito swing. Destaque para os duetos entre o violino de Carter e o piano de Davis, que encontram o tempo perfeito e fazem um excelente trabalho de complementação.

A composição de Duke Ellington, “Blue Rose”, tem mais uma vez um belo dueto entre violino e piano, mas desta vez com um tom mais reflexivo que aponta uma direção mais intimista e triste.

“This Can’t Be Love”, composta por Rodgers, parte do musical The Boys from Syracuse, é cantada por Bridgewater com uma interpretação cheia de balanço para a letra irônica da canção que diz: “This can’t be love because I fell so well/ no sob. No sorrow, no sight”. O baixo de Parrish responsável pela condução do ritmo interage muito bem com o piano e o violino, fornecendo todo o suporte, uma vez que a bateria não está presente nesta gravação. O scat de Bridgewater se encaixa muito bem nos diálogos com o piano, o baixo e o violino, dando um balanço muito gostoso à canção. Certamente, um dos melhores momentos do álbum.

“How Ruth Felt”, a única composição de Carter para o álbum, é dedicada a Ruth Felt, presidente da organização de artes San Francisco Performances, que foi importante para Regina durante o período em que sua mãe estava doente. A canção é uma balada construída sobre uma bela melodia intercambiada pelo violino de Carter e o piano de Davis, com uma participação destacada da seção rítmica. Há um quê de ternura em toda a canção, que a torna muito bonita.

A balada “There’s a Small Hotel”, outra composição de Hart e Rodgers, cantada por Cook mantém o clima nostálgico como tema central do álbum. A levada é típica da Swing Era, na qual o violino de Carter e o piano de Davis dialogam com muito entrosamento fazendo o acompanhamento à voz de Cook, cuja interpretação agrega sensualidade e sensibilidade à canção.

“I’ll Be Seeing You” é uma canção sentimental de muito sucesso nos anos 1940 com Bing Crosby, que nesta versão puramente instrumental tem a melodia toda centrada no violino de Carter, que é quem dá a direção, enquanto o acordeom de Goldstein e o piano de Davis fazem o acompanhamento que enriquece a obra. Com essa canção, Carter dá um tom de despedida ao álbum e à sua mãe.

Ainda que o violino no jazz não seja uma novidade, pois artistas como Stephane Grappelli, Jean-Luc Ponty entre outros já o utilizaram antes, ainda não é algo usual. Regina Carter consegue fazer do violino um instrumento tão integrado ao jazz quanto um trompete ou um piano, pois sua habilidade para improvisar e swingar são destacadas. I’ll Be Seeing You: A Sentimental Journey é um álbum que funciona porque apresenta releituras de standards em versões cheias de balanço com muita qualidade.

Todos os músicos que participaram do álbum:
Regina Carter: violino;
Xavier Davis: piano (exceto 4);
Matthew Parrish: baixo;
Alvester Garnett: bateria (exceto 4 e 9);
Dee Dee Bridgewater: vocais (3 e 9);
Carla Cook: vocais (5, 6 e 11);
Paquito D'Rivera: clarinete (1, 2, 3, 4 e 6);
Gil Goldstein: acordeom (1, 2, 3, 6 e 12).

Faixas de I’ll Be Seeing You: A Sentimental Journey:
01. Anitra's Dance [Grieg] 2:55
02. Little Brown Jug [Winner] 4:46
03. Bei Mir Bist Du Schön [Cahn, Chaplin, Jacobs, Secunda] 4:43
04. Sentimental Journey [Brown, Green, Homer] 6:07
05. You Took Advantage of Me [Hart, Rodgers] 4:55
06. St. Louis Blues [Handy] 7:09
07. A-Tisket, A-Tasket [Feldman, Fitzgerald] 8:01
08. Blue Rose [Ellington] 2:52
09. This Can't Be Love [Rodgers] 5:15
10. How Ruth Felt [Carter] 5:52
11. There's a Small Hotel [Hart, Rodgers] 5:21
12. I'll Be Seeing You [Fain, Kahal] 5:09

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É a hora de Joe Farnsworth

2008-09-27T14:19:00.007-03:00

Joe Farnsworth é um dos bateristas mais requisitados para sessões de gravação de jazz atualmente. Preferido por músicos da velha e da atual geração jazzística, Farnsworth já gravou diversos álbuns como sideman, mas em 2004, a gravadora 441 lançou It’s Prime Time, seu segundo CD como líder. Reunindo velhos parceiros, o baterista conseguiu juntar músicos lendários como Ron Carter, Benny Golson e Harold Mabern com grandes nomes do jazz atual como Eric Alexander e David Hazeltine. A precisão e o apurado senso rítmico chamam a atenção para o estilo de Farnsworth, um conceituado jazzista do século XXI que merece mais atenção por parte dos fãs desse tipo de música.

A primeira faixa do álbum, “Sweet Poppa” abre com Joe Farnsworth puxando o ritmo da canção para a entrada de Harold Mabern ao piano, Ron Carter no baixo e Eric Alexander no sax tenor, que conduz a melodia com sua habitual elegância executando fraseados rápidos e segurando a nota principal, alongando o seu tempo. Destaque para o solo de Mabern muito bem apoiado pela precisão da dupla Farnsworth e Carter. Uma bela demonstração de como tocar um hard bop sem soar datado.

“Old Folks” começa como uma balada introduzida por David Hazeltine ao piano, seguido por Curtis Fuller no trombone, que dá a direção da melodia, enquanto Farnsworth dita o ritmo com suas vassourinhas na caixa, ao lado do sempre preciso Carter, que também encontra espaço para solar. Nesse momento o trio piano-baixo-bateria faz um excelente trabalho, quando Carter passa o solo para Hazeltine e Farnsworth dita o ritmo com o pedal. O que era uma balada inicialmente já ganha aspecto de hard bop com um balanço gostoso. Fuller, por fim, retoma o clima inicial e encerra a canção com um solo introspectivo.

O trio Farnsworth, Carter e Hazeltine abrem a canção com um ritmo swingado e contagiante, que ganha ainda mais qualidade com a adição do trompetista Jim Rotondi, que tocando com lacunas se comunica muito bem com a seção rítmica. Alexander incorpora mais força à melodia e ao mote central da canção. A condução de Farnsworth é exemplar, porque consegue um balanço envolvente. Em sua única composição para o álbum, o baterista ganha destaque amplo, mesmo que apenas na condução, pois nada foi “inventado” para que o seu instrumento se sobressaísse perante os demais. A qualidade de Farnsworth é demonstrada na harmonia do grupo.

Em “Stable Mates”, Farnsworth puxa o ritmo para a entrada dos veteranos Benny Golson no sax tenor, Carter no baixo e Mabern no piano. Esse encontro de gerações rende ao álbum mais de sete minutos de contemplação: primeiro o destaque está em Golson, que indica a direção melódica, depois Mabern sola com seu balanço habitual, posteriormente Farnsworth coloca seu vigor no chimbal com a baqueta esquerda, enquanto o pedal trabalha no bumbo e a baqueta direita passeia pelas demais partes da bateria. A reentrada de Golson no final da canção não diminui a intensidade do baterista, que segue marcando o ritmo com a mesma precisão. No fim, a canção é dos dois.

“Five Spot After Dark” tem o seu tema marcante executado por Golson, que alterna com Fuller a condução da melodia. A passagem de solos de um para o outro dá dinamicidade à canção, que dispõe ainda de uma base sólida sustentada por Farnsworth, Carter e Mabern.

“And So, I Love Again” é uma balada com um tom melancólico, principalmente pelo modo como Golson consegue fazer o seu sax tenor soar introspectivo. Farnsworth faz uso das vassourinhas para marcar o ritmo, enquanto Mabern estabelece algum diálogo com o sax, que permanece o tempo todo em destaque.

“The Third Plane” tem uma levada bossa nova puxada pela seção rítmica e por Alexander, que é enriquecida pelo trompete de Rotondi, que tem liberdade para solar. O solo de Carter, conduzido por Farnsworth, agrega à canção ainda mais balanço, que é estendido por Hazeltine. O tema inicial retoma para encerrar a canção.

Uma versão hard bop de “Hello, Young Lovers” tem início com Farnsworth repercutindo o chimbal e Carter marcando o tempo para Fuller introduzir o trombone na canção e travar um diálogo com o sax tenor de John Farnsworth, irmão do baterista. O trompete de Rotondi é adicionado e estabelece ainda mais dinamismo à faixa por seu soar rápido de cada nota, John Farnsworth desacelera a melodia, embora a seção rítmica siga na corrida. Hazeltine ao solar mantém a melodia no mesmo ritmo. O solo preciso de bateria de Joe Farnsworth é perfeitamente incorporado por Carter, que volta a marcar o tempo inicial da canção, que novamente introduz o trombone de Fuller à melodia e consegue chegar o ciclo, levando a canção de volta ao ponto inicial.

O álbum encerra com “Jose’s Lament”, uma faixa em que Farnsworth e Carter fazem a condução e deixam Alexander e Hazeltine solar com liberdade. O resultado é uma canção despretensiosa que reúne músicos de primeira linha tocando um tema agradável de acompanhar.

Joe Farnsworth conseguiu reunir reunir velhos parceiros, para quem já havia gravado, em seu álbum e apostou em uma seleção musical que juntasse alguns temas novos e standards. O resultado foi o nascimento de um grande álbum com músicos de primeira grandeza.

Todos os músicos que participaram do álbum:
Joe Farnsworth: bateria
Ron Carter: baixo
David Hazeltine: piano (2,3,7,8,9)
Harold Mabern: piano (1,4,5,6)
Eric Alexander: saxofone tenor (1,2,3,7,9)
Benny Golson: saxofone tenor (4,5,6)
Curtis Fuller: trombone (2,5,8)
Jim Rotondi: trompete, flugelhorn (3,7,8)
John Farnsworth: saxofone tenor (8)

Faixas de It’s Prime Time:
01. Sweet Poppa [Mabern] 5:46
02. Old Folks [Hill, Robison] 7:20
03. Prime Time [Farnsworth] 8:02
04. Stable Mates [Golson] 7:11
05. Five Spot After Dark [Golson] 5:50
06. And So, I Love Again [Golson] 4:20
07. The Third Plane [Carter] 5:37
08. Hello, Young Lovers [Hammerstein, Rodgers] 7:44
09. Jose's Lament [Hazeltine] 7:06

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Wycliffe Gordon quer saber: com o que você está lidando?

2008-09-21T22:07:00.006-03:00

O trombonista Wycliffe Gordon tornou-se conhecido no universo do jazz ao ingressar no septeto de Wynton Marsalis e posteriormente no Lincoln Center Jazz Orchestra sob regência do mesmo. Sua carreira como líder deu início na metade da década de 1990, quando ao trazer o trombone – um instrumento comum no jazz do início do século XX, mas que foi perdendo lugar nos pequenos grupos – para a linha de frente da instrumentação jazzística, Gordon foi ganhando mais destaque como intérprete e compositor. Em 2001, através da gravadora Criss Cross, foi lançado o álbum What You Dealin’ With, que reúne standards e composições originais em um programa que junta swing, blues, bebop e hard bop com muita naturalidade.

O álbum inicia com a canção “In a Mellow Tone”, composição de Ellington e Gabler, o que já confere a garantia de swing logo de saída. Destaque para o dueto de trombone e sax tenor proporcionado por Wycliffe Gordon e Herb Harris, que dialogam o mote central da canção. O baixista Zach Pride e o baterista Rodney Green limitam-se ao papel de coadjuvantes sustentando o ritmo para a linha de frente, caracterizada pelos instrumentos de sopro, crescer em solos e duetos cheios de balanço.

O trombone com surdina de Gordon abre “I Remember Al” com uma melodia introspectiva soando como um lamento, que se transforma num blues lento. Pride e Green dão a sustentação para o trombone “chorar”, enquanto sax e trompete aparecem apenas para reforçar o que expressa o líder Gordon com seu instrumento. Uma ótima faixa que reserva diferentes impressões a cada nova ouvida.

“Blue 'n' Boogie” é vibrante tanto pelo ritmo acelerado quanto pela excelente linha de sopros que faz um grande trabalho junto. O trompete de Ryan Kisor é o primeiro a se liberar para solar e é logo acompanhado pelo sax tenor de Harris, que é sucedido pelo trombone de Gordon e por fim o sax soprano de Victor Goines. O final de solo brusco do soprano dá a oportunidade de Green descer as baquetas nos bumbos e pratos até que todos os músicos retomam o tema inicial da canção. É o bebop soando vivo no século XXI.

O scat singin’ de Gordon é a marca de “Cotton Tail”.Enquanto o baixo de Pride e a bateria de Green estabelecem um ritmo lento para a canção, Gordon se liberta na improvisação vocal, encontrando na parceria com o sax soprano de Goines um complementação para a sua criatividade.

O belo diálogo entre a linha de sopros e o baixo é a marca de “Stevie”, composição de Duke Ellington cheia de balanço que consegue combinar muito bem todos os elementos do sexteto. O diálogo inicia torna-se uma conferência muito interessante, da qual participam o sax tenor, o trombone e o trompete dando continuidade ao swing inicial, que incendeia quando Gordon faz a ponte que liga a composição de Ellington com “Mr. PC”, de John Coltrane. O que se ouve é Green e Pride trabalhando intensamente para conduzir o ritmo com dinamismo, enquanto os sopros levam a melodia com liberdade para solar, primeiro com o trompete de Kisor, depois com o sax tenor Harris e o trombone de Gordon. O encontro de todos para tocar o mesmo tema encerra um dos pontos altos do álbum.

“Pretty Little Girl” retoma o clima mais intimista nesta composição de Gordon. Sax tenor e trombone fazem o dueto que conduz a prazerosa melodia. A beleza da canção está no equilíbrio de forças entre os instrumentos, que são muito bem sustentados pelo destacado Pride no baixo.

A versão de “Mood Indigo” de Gordon começa com um solo de trombone, que introduz a estruturação de blues à canção que é seguida à risca pelo baixo de Pride, que é quem conduz o ritmo para que os instrumentos de sopro possam expressar os seus lamentos. Percebe-se que os músicos conseguiram capturar o espírito da canção nessa gravação e traduziram em notas toda a melancolia desse velho blues.

“Cherokee”, outro standard jazzístico presente no álbum, ganha destaque por sua interpretação vigorosa pela seção rítmica e pela execução enérgica da linha de frente de sopros. Os duetos de trombone e trompete, de sax tenor e sax soprano, e o final com a integração dos quatro sopros são os pontos altos desta gravação.

“Bone Abstractions” começa como um blues puxado pelo trombone de Gordon. Depois desse início era de se esperar que os demais instrumentos entrassem na canção, mas a surpresa está no fato de a melodia se estender como uma improvisação solo. Nessa faixa, o líder do grupo demonstra suas habilidades e mostra como swingar desacompanhado.

Com “What You Dealin’ With”, canção que dá nome ao CD, o álbum encerra com uma questão de Gordon em forma de jazz e hip-hop. Com o que você está lidando? Com um balanço contagiante, com uma linha de sopros que consegue dialogar com a batida repetitiva do hip-hop e com as levadas e quebradas do jazz. Fazendo as vezes de vocalista e trombonista nesta faixa, Gordon conseguiu construir um tema central com cara de big band para o seu quarteto de sopros, que parece se multiplicar. Nesta fusão de jazz com hip-hop, em que muitos bons compositores erraram a mão, Gordon conseguiu acertar no alvo certo.

Os fãs de jazz que se sentiam órfãos de um bom trombonista têm em Wycliffe Gordon um bom nome a seguir. Unindo composições próprias com canções consagradas, Gordon consegue fazer a ligação entre o passado e o presente do jazz.

Todos os músicos que participaram do álbum:
Wycliffe Gordon: trombone, vocal
Ryan Kisor: trompete
Victor Goines: saxofone tenor, saxofone soprano
Herb Harris: saxofone tenor
Zach Pride: baixo
Rodney Green: bateria

Faixas de What You Dealin’ With:
01. In a Mellow Tone [Ellington, Gabler] 6:46
02. I Remember Al [Gordon] 4:18
03. Blue 'n' Boogie [Gillespie, Paparelli] 5:14
04. Cotton Tail [Ellington] 4:47
05. Stevie/Mr. P.C. [Ellington/Coltrane] 7:36
06. Pretty Little Girl [Gordon] 8:28
07. Mood Indigo [Bigard, Ellington, Mills] 7:49
08. Cherokee [Noble] 6:28
09. Bone Abstractions [Gordon] 4:01
10. What You Dealin' With [Gordon] 6:40

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A vida noturna em Tóquio segundo Eric Alexander

2008-09-16T17:34:00.007-03:00

Em 2003 a gravadora Milestone lançou o álbum Nightlife in Tokyo do saxofonista tenor Eric Alexander. Inicialmente conhecido por ter conquistado o segundo lugar na competição de sax do Thelonious Monk Institute em 1991, atrás apenas de Joshua Redman, Alexander se firma hoje como uma importante figura do jazz atual. Sem ser um vanguardista, seu estilo consegue aliar classe e força em um hard bop de primeira qualidade. Nightlife in Tokyo, gravado em estúdio, apesar do título poder indicar um registro ao vivo, é essencial para quem quer ir além dos grandes titãs que construíram a imagem – e o som – do jazz.

Os belos fraseados do sax tenor Eric Alexander na faixa de abertura, “Nemesis”, são marcas de qualidade na canção, que conta com uma seção rítmica muito bem entrosada composta pelo lendário baixista Ron Carter, pelo baterista Joe Farnsworth e pelo também lendário pianista Harold Mabern. Esse trio dá todo o suporte para Alexander mostrar o porquê de ser um músico tão aclamado por público e crítica atualmente. Seu hard bop que remete a boas lembranças de saxofonistas do passado (um quê de Dexter Gordon), tem energia própria e consegue a difícil missão de juntar muito vigor com lirismo. Essa canção nasceu com vocação para se tornar um standard do século XXI.

A interpretação de um standard jazzístico como “I Can Dream, Can't I?” reitera o lado lírico e melodioso de Alexander. O belo entrosamento do quarteto mais uma vez se sobressai. Destaque para o belo diálogo entre o baixo de Carter que sola com o acompanhamento do piano de Mabern para depois inverter a posição, quando Carter faz a base para o solo de Mabern. Alexander fica responsável por fazer a ligação entre as duas pontas da melodia ao retomar o tema central ao término da canção.

“Nightlife in Tokyo”, a faixa que dá nome ao álbum, mostra dinamismo através da condução mais acelerada de Farnsworth e Carter, enquanto Alexander tem liberdade para solar. O piano de Mabern que vinha servindo de apoio passa ao primeiro plano para retomar o fraseado principal e propor outros em uma execução de muita competência. Um dos méritos do saxofonista é conseguir “grudar” o tema principal da canção na cabeça do ouvinte, pois esse motivo é sempre retomado durante a canção entre os solos.

“I'll Be Around”, balada composta por Alec Wilder, ganha uma bela interpretação pelo quarteto. Definitivamente, essa é uma faixa gravada para o líder brilhar, pois Carter e Farnsworth conduzem o ritmo, Mabern acompanha com um característico espaçamento, enquanto Alexander assume a frente na melodia por boa parte da canção, cedendo esse espaço por pouco tempo para o piano.

A peculiaridade de “Cold Smoke” é que ela inicia com um motivo que parece encerrar a canção, como se o ouvinte chegasse com o trabalho já em andamento. Então, a canção revive puxada por Farnsworth, que logo é acompanhado por Mabern e Carter, que sustentam a base para o solado de Alexander. O piano também recebe um belo destaque com a classe de Mabern em seu solo. O que se tem no geral é um belo exemplo de hard bop bem executado, que alia impetuosidade e técnica. A canção flui tão naturalmente que parece uma jam session, na qual cada músico soa tão espontâneo, que esse material parece ter surgido no momento da gravação.

“Island” é uma boa canção apesar de sua simplicidade. O ritmo inicial com sua levada de fácil acompanhamento propicia o desenvolvimento do solo limpo e swingado de Mabern e do solo de Alexander, que alterna fraseados curtos e longos com vários espaçamentos.

Composta por Eric Alexander em homenagem ao baixista Ron Carter, o quarteto interpreta “Big R. C.” com uma levada ótima cheia de balanço e uma cara de década de 1950. O ritmo post-bop envolvente propiciado por Farnsworth e Carter em diálogo com o piano de Mabern é o destaque da canção, que conta ainda com um solo refinado e melodioso de Alexander, que remete àquela ternura por vezes só encontrada em Dexter Gordon ou Lester Young. Com certeza é um dos pontos altos do álbum.

A canção que encerra o álbum, “Lock Up and Bow Out”, retoma o frenesi encontrado em outros momentos do CD, e, assim como “Cold Smoke”, parece uma jam session fruto de criação espontânea. A liberdade dos músicos do quarteto está declarada e eles estão dispostos a improvisar sem perder a coesão.

Eric Alexander é um grande saxofonista tenor mais propício ao hard bop que conta com um refinado senso de melodia. Ele sabe até onde levar o som de seu sax sem incorrer em exageros, que o fariam mais parecer como um imitador de grandes instrumentistas do passado; no entanto, ele consegue ter voz própria. Acompanhado por ótimos músicos, Alexander mostra seu valor em Nightlife in Tokyo não apenas como saxofonista, mas também como compositor, pois seu trabalho é consistente e de grande qualidade. Esse álbum é obrigatório para quem quer ficar interado com o que de melhor ocorre no jazz do século XXI.

Todos os músicos que participaram do álbum:
Eric Alexander: saxofone tenor
Harold Mabern: piano
Ron Carter: baixo
Joe Farnsworth: bateria

Faixas de Nightlife in Tokyo:
01. Nemesis [Alexander] 8:00
02. I Can Dream, Can't I? [Fain, Kahal] 7:59
03. Nightlife in Tokyo [Mabern] 6:36
04. I'll Be Around [Wilder] 7:59
05. Cold Smoke [Alexander] 8:25
06. Island [Alexander] 7:40
07. Big R.C. [Alexander] 6:17
08. Lock Up and Bow Out [Alexander] 5:32

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Bojan Z apresenta a sua Xenophonia

2008-09-07T14:54:00.008-03:00

O pianista e agora xenofonista franco-sérvio Bojan Z, também conhecido como Bojan Zulfikarpašić, lançou em 2006 o álbum Xenophonia pela gravadora Label Bleu, que se aproxima muito de ser uma obra-prima, se é que efetivamente não é. Deixemos o tempo decidir. Esse CD marca a estréia de mais um instrumento ao jazz: o xenofone, uma invenção do próprio Bojan Z que modificou um Fender Rhodes e conseguiu extrair dele um som diferente do que se imagina para um instrumento de teclas. Mais detalhes na resenha abaixo. Não deixe de ouvir esse álbum e surpreenda-se com um trio (às vezes quarteto) espetacular.

Bojan Z se apresenta em São Paulo, no SESC Pinheiros (Teatro Paulo Autran), no próximo dia 12 de setembro às 21 horas. Maiores informações no site do SESC.

O som extraído dos bumbos pelo baterista Ben Perowsky em “Ulaz”, a melodia esparsa do kaval (um tipo de flauta usada por pastores sérvios) de Krassen Lutzkanov e o dedilhado mínimo do baixista Remi Vignolo criam uma atmosfera folk à canção, que serve de contraponto ao piano cheio de lacunas de Bojan Z em uma canção com cara de total experiência musical. Cada músico parece seguir um caminho diferente até a demarcação de um ponto de reencontro. A melodia densa se deve à execução lenta e ao som grave e destacado do baixo que será confrontado com o som estridente do xenofone ao final da canção. Aguarde, pois essa é apenas a primeira amostra da invenção de Bojan Z.

“Zeven” é uma canção com uma melodia muito bonita e bem executada por Bojan Z ao piano, enquanto o baterista Ari Hoenig e o preciso baixista Vignolo levam a seção rítmica com muito vigor. O encaixe do trio é perfeito. Ao ouvir essa canção fica evidente que todos os instrumentos são destacados em um hard bop de muita qualidade.

O que se houve logo no início de “Wheels” é o referido xenofone, uma invenção de Bojan Z, que modificou um Fender Rhodes e o fez soar como uma guitarra com bastante distorção. A base rítmica de blues de Hoenig e Vignolo entra muito bem na canção e dá uma sustentação sólida ao xenofone em um fusion incapaz de deixá-lo indiferente. Mesmo quando troca o xenofone pelo Rhodes, a canção mantém sua base pesada e sua linha experimental. Com certeza essa é uma grande canção que o fará amar o lado inventivo e ousado de Bojan Z ou fará odiá-lo por não seguir a estrutura jazzística tradicional. Coloquem seus ouvidos nessa prova.

“Biggus D” mostra o lado versátil de Bojan Z alternando piano e Rhodes e por vezes tocando ambos ao mesmo tempo. A canção é marcada por uma melodia que se desenvolve, mas de repente é quebrada e o que se tem é um hard bop que chega ao free jazz e decide voltar em uma retomada à melodia central.

A composição de David Bowie, “Ashes to Ashes”, tem em sua base pop um tema bem simples que não dá liberdade a Hoenig para improvisar, mas ao menos consegue fazer com que Bojan Z consiga executar bons solos ao piano e xenofone.

“Pendant Ce Temps, Chez le Général...” é um free jazz que dá oportunidade a todos os músicos, cada um a seu tempo, desenvolver um tema, enquanto os demais dão a sustentação rítmica e melódica para as improvisações. O que se tem nesta canção é uma colagem de sons que não encontra uma trilha a seguir, porém mesmo em caminhos diferentes, as notas acabam se encontrando. Experimentação musical total.

“Xenox Blues” usa o recurso de voz sampleada de Alan Lomax, originalmente gravada para “Negro Prison Blues & Songs”, além do xenofone, que soa bastante diferente do som de guitarra tradicional do blues, mas que combinado ao baixo de Vignolo e à bateria de Perowsky dá um toque diferente ao estilo, apesar de a melodia não soar diferente do que se espera de um blues.

As belas notas de piano que iniciam “The Mohican and the Great Spirit”, composição de Horace Silver para o álbum Silver ‘n Percussion de 1977, já dão ao ouvinte a certeza de uma melodia muito bonita. Os acréscimos de Vignolo e Hoenig trazem mais qualidade à canção, enquanto Bojan Z oferece muita sutileza em um tema de grande qualidade. A suavidade que o pianista consegue colocar na melodia demonstra não apenas o seu talento e a sua habilidade, mas a sensibilidade necessária para transformar notas musicais em arte. Silver deve ter ficado orgulhoso deste trabalho.

“CD-Rom” é caótica! O kaval de Lutzkanov, o baixo de Vignolo, a bateria de Perowsky e o piano de Bojan Z têm pressa. Ritmo e melodia rápidos dão o sentido exato do que o compositor quis dizer com o título dessa faixa, na qual a velocidade é constante como é a tecnologia. Não sei se “CD-Rom” foi gravada a 512mbps, 1Gbps ou 2 Gbps, mas todos os instrumentos se encaixam perfeitamente e o resultado é um hard bop ousado de tirar o fôlego.

O álbum encerra com “Izlas”, uma canção que contrapõe Hoenig e Bojan Z, pois a bateria adota um caminho, enquanto o piano segue outra direção. Para segurar os dois, lá está Vignolo fazendo o papel de contra-peso nessa balança.

O álbum Xenophonia é empolgante e impressiona pela simbiose que Bojan Z, Vignolo e ora Hoenig, ora Perowsky conseguem criar. Vencedor do prêmio “Les Victoires du Jazz 2007” como melhor CD francês do ano, essa obra tem um valor musical muito grande. Como compositor e instrumentista, Bojan Z se mostra como um artista de grande talento, ousadia e importância para o jazz do século XXI. Esse CD é muito bom, não deixem de ouvi-lo.

Todos os músicos que participaram do álbum:

Bojan Z: piano, Fender Rhodes, xenofone

Remi Vignolo: baixo acústico

Ari Hoenig: bateria (2, 3, 4, 8, 10)

Ben Perowsky: bateria (1, 5, 6, 7, 9)

Krassen Lutzkanov: kaval (1, 9)

Faixas de Xenophonia:

01. Ulaz [Bojan Z] 7:21

02. Zeven [Bojan Z] 5:55

03. Wheels [Bojan Z, R.M.Tocak] 9:06

04. Biggus D [Bojan Z] 7:20

05. Ashes to Ashes [David Bowie] 4:50

06. Pendant Ce Temps, Chez le Général... [Bojan Z, Remi Vignolo, Ben Perowsky] 4:25

07. Xenox Blues [Bojan Z] 7:13

08. The Mohican and the Great Spirit [Horace Silver] 6:21

09. CD-Rom [Bojan Z] 5:01

10. Izlas [Bojan Z, Ari Hoenig] 2:35

Ouça algumas faixas deste e de outros álbuns no My Space.

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Veja o vídeo de Bojan Z tocando “Ashes to Ashes”:

Qual é a nova de Chico Pinheiro e Anthony Wilson?

2008-09-02T12:19:00.007-03:00

A parceria entre o guitarrista norte-americano Anthony Wilson, um apreciador de bossa nova e MPB, e o violonista/guitarrista paulistano Chico Pinheiro, um autodidata de grande talento, deu como resultado o álbum Nova, lançado em 2007 pela gravadora Buriti. Membro da banda de Diana Krall, Wilson sugeriu o encontro dos músicos, pois ficou impressionado com a musicalidade do brasileiro. Mesclando influências de jazz, bossa nova, samba e ritmos cubanos, Nova é um grande trabalho que merece a atenção dos fãs de jazz deste século XXI.

“Café com Pão”, a primeira canção do álbum, tem em seu título uma boa analogia para marcar o encontro do entusiasmo pela música brasileira do guitarrista Anthony Wilson com o lirismo e estilo jazzístico do violonista e guitarrista Chico Pinheiro. A faixa é marcada por um tema central tocado com muito balanço e malemolência, que encontra na liberdade de improvisação uma parceria muito boa.

“Tempestade” é uma canção que cresce a partir de um tema central trocado entre o flugelhorn de Daniel D’Alcântara e a guitarra de Wilson para uma melodia mais complexa, onde o piano de Fabio Torres e o dueto de Pinheiro e Wilson constroem juntos um trabalho de beleza e precisão.

A canção “Laranjeiras” possui uma agradável melodia intimista, que muito deve ao trabalho de Torres ao piano, mas também aos solos trocados entre o violão de Pinheiro e a guitarra de Wilson, que dão mais vida ao conjunto da obra.

“Cuba” é envolvente com suas variações e o balanço do baixista Paulo Paulelli, o baterista Edu Ribeiro e o pianista Fabio Torres, que contam ainda com bom arranjo de metais e sopros que inclui clarinete, sax alto, sax tenor, sax barítono, flugelhorn e trompete. Pinheiro na guitarra conduz o ritmo, enquanto o grupo todo move-se perfeitamente entre ritmos latinos e o jazz.

Conforme nos indica o título da canção, “Planície”, é retilínea, sem altos e baixos, por onde a melodia flui por uma direção e segue nesse caminho. A sobreposição das notas pelo violão de Pinheiro, pela guitarra de Wilson e pelo violão 7 cordas de Swami Jr. dá uma sensação de preenchimento e estabelece um momento de total integração entre os músicos, ocasionando uma singular fluência.

O convidado especial em “When You Dream”, composição de Wayne Shorter, é Ivan Lins acompanhado por um coral de sete vozes entre mulheres e meninas. Mais uma vez a técnica de Pinheiro tocando violão e guitarra se destaca, desta vez em uma faixa com um maior apelo pop, principalmente pelos vocais finais, que se tornam dispensáveis, uma vez que são chatos e atrapalham quando se quer prestar atenção no bom trabalho das guitarras e do piano. Certamente esse é o ponto mais fraco de todo o álbum.

“Easter Monday” é uma prazerosa e breve composição de Wilson, cujo papel é ser uma introdução à canção que dá nome ao álbum, cuja melodia é claramente inspirada em Antonio Carlos Jobim e representa um belo momento de encontro entre bossa nova e jazz como a 50 anos. “Nova” nos dá a oportunidade de ouvir Pinheiro tocando guitarra, enquanto Wilson fica encarregado do violão. Esta canção pode ser ouvida como um dos raros momentos em que o passado pode ser reescrito sem soar fora de moda. Tocada com sutileza e total harmonização entre os diferentes instrumentos, o brilho da canção está na integração e no aprimorado diálogo que há entre guitarra e violão, entre piano, baixo e bateria.

O dueto de guitarras “Two Fives” estabelece quase que uma simbiose inicial, que vai se separando em caminhos paralelos constituídos por uma troca, em que um músico cita o outro logo adiante, alternando entre guitarra base e guitarra solo. Embora a musicalidade de Pinheiro pareça surgir com mais naturalidade e beleza, Wilson consegue colocar muito bem o seu estilo, ocasionando uma linda junção de particularidades que refletem na própria música.

“Requebre que eu dou um doce” é um samba interpretado pelo cantor Dori Caymmi, filho do compositor Dorival Caymmi, e pelo pianista Cesar Camargo Mariano, ambos como convidados especiais nesta canção que é diferente de tudo gravado nesse álbum. Entretanto, é um grande momento do CD, porque prova a virtuosidade dos músicos que podem unificar ritmos distintos e ainda assim soar muito bem em todos eles.

A naturalidade de “Interlude” é o seu ponto mais forte, pois a canção flui como se todos tivessem decidido tocar apenas para se conhecerem melhor. O piano preciso e melódico de Torres oferece o mote central que vai ganhando a participação do baixo acústico de Paulelli, da bateria de Ribeiro e posteriormente pelo violão de Pinheiro e pela guitarra de Wilson. O resultado é um prazer para os ouvidos.

Encerrando o álbum, “Alla Chitarra” é um brilhante trio de cordas formado por Pinheiro e Wilson nas guitarras e por Swami Jr. no violão 7 cordas. Mais uma vez a sintonia e o diálogo entre as guitarras dá o valor positivo a este trabalho que se mostra não apenas relevante, mas muito respeitável. Técnica e melodia soam de uma maneira singular para produzir um daqueles momentos que o deixam satisfeitos e com a vontade de ouvir todo o álbum mais uma vez.

O resultado dessa parceria entre Chico Pinheiro e Anthony Wilson é muito positivo, pois retoma a integração entre o jazz e a música brasileira com novas composições e não apenas releituras de tradicionais canções já famosas no mundo inteiro. A iniciativa de fazer algo novo é por si só já muito boa, mas alcançando a qualidade demonstrada em Nova, o que se tem é um álbum de grande valor artístico. Felizmente, a divulgação do CD tem sido feita pelos músicos em concertos pelo Brasil e EUA. Entre 2 e 6 de setembro de 2008, Chico Pinheiro e Anthony Wilson apresentam o repertório de Nova em Oakland e Culver City, na Cafifórnia. Mais informações sobre as datas dessas apresentações no site oficial de Chico Pinheiro.

Todos os músicos que participaram do álbum:

Chico Pinheiro: violão (1, 2, 3, 5, 6, 7, 10, 11), guitarra (1, 2, 4, 6, 8, 9, 12);

Anthony Wilson: guitarra (1, 2, 3, 5, 6, 7, 9, 10, 11, 12), violão (8);

Fábio Torres: Rhodes (1, 6, 10), piano (2, 3, 4, 6, 7, 8, 11);
Paulo Paulelli: baixo acústico (3, 4, 6, 7, 10, 11);
Marcelo Mariano: baixo elétrico (1, 2, 8);
Edu Ribeiro: bateria (1, 2, 3, 4, 6, 7, 8, 10, 11);
Armando Marçal: percussão (1, 2, 4, 6, 7, 10);

Swami Jr.: violão 7 cordas (5);
Nailor Proveta: clarinete (4), sax alto (4, 10);
Matt Zebley: flauta (8), sax alto (6, 8);

Vinícius Dorin: flauta (4, 10), sax tenor (4, 10), sax barítono (4);

Daniel D’Alcântara: flugelhorn (2, 4, 10), trompete (4);

Paulo Malheiros: trombone (4, 10);

Gilbert Castellanos: trompete (4, 6, 8), flugelhorn (8);

Garrett Smith: trombone (6, 8);

Matt Otto: sax tenor (6, 8);

Adam Schroeder: sax barítono (6, 8)

Ivan Lins: vocal (6);

Luiza Rizzi: vocal (6);

Maria Mariano: vocal (6);

Inez Pinheiro: vocal (6);

Dani Gurgel: vocal (6);

Luciana Alves: vocal (6);

Cida Souza: vocal (6);

Tatiana Parra: vocal (6);

Cesar Camargo Mariano: pads (8); piano (10);

Dori Caymmi: vocal (10);

Luiz Afonso Montanha: clarone (10);

Faixas de Nova:

01. Café com Pão [João Donato/ Lysias Ênio] 06:50

02. Tempestade [Chico Pinheiro/ Chico César] 05:48

03. Laranjeiras [Anthony Wilson] 06:44

04. Cuba [Chico Pinheiro] 06:40

05. Planície [Chico Pinheiro] 06:38

06. When You Dream [Wayne Shorter] 06:28

07. Easter Monday [Anthony Wilson] 01:56

08. Nova [Chico Pinheiro] 05:44

09. Two Fives [Anthony Wilson] 07:36

10. Requebre Que Eu Dou um Doce [Dorival Caymmi] 03:14

11. Interlude [] 02:31

12. Alla Chitarra [Anthony Wilson] 08:46

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A residência artística de Jason Moran

2008-08-31T00:10:00.005-03:00

As composições de Artist in Residence, lançado em 2006 pela gravadora Blue Note, são trabalhos produzidos pelo pianista Jason Moran para três institutos de arte: o Walker Art Center em Minneapolis, o Dia Art Foundation e o Jazz at Lincoln Center. Extremamente criativo e com um olhar voltado para as inovações, Moran sempre soa diferente do Moran de seus álbuns anteriores. Neste especificamente, o pianista e compositor leva o jazz ao encontro do hip-hop, do canto lírico e do barulho urbano, provocando desde estranhamento até deleite. Constituindo-se em uma importante figura para o jazz do século XXI, Moran mostra em Artist in Residence que o jazz pode ir pelos caminhos que a criatividade o conduzirem.

O álbum inicia a partir de uma fusão de jazz com hip-hop chamada “Break Down”, que traz palavras de protesto e samples de Adrian Piper, em um ritmo marcado e constante, com a contribuição do baterista Nasheet Waits, enquanto o pianista Jason Moran leva a melodia por um caminho mais criativo em parceria com o baixista Tarus Mateen. É inegável que essa mistura não está no ponto certo, pois ao ouvinte parece que duas canções diferentes estão tocando juntas, como se você quisesse ouvir rap e alguém ligasse um aparelho que tocasse um jazz post-bop ao mesmo tempo... ou vice-versa. Enfim, a canção causa estranheza de início, o que é uma ousadia de Moran abrir o álbum com ela, mas momentos de brilho surgem ao dedilhar do piano.

“Milestone” é outra canção que faz uso de outro recurso não comum ao jazz: o canto lírico. O soprano Alicia Hall Moran, esposa de Jason, faz o contraponto entre a musicalidade das ruas mostrada na faixa anterior e a das salas de concerto. Através dos recursos de Moran ao piano e – muito – do guitarrista Marvin Sewell, além da base rítmica de Waits e Mateen, a canção consegue seguir sua direção muito bem marcada pelas notas do pianista.

“Refraction 2” vai adicionando os elementos aos poucos, primeiro o baixo, depois o piano, bateria e guitarra, em uma canção que vai se construindo sobre uma base rítmica constante e uma liberdade de improvisação de Moran, que logo é seguido por Sewell, que por sua vez toma outra direção, bem como Waits, enquanto Mateen fica sendo o responsável por manter o que foi erguido no início. Um belo trabalho, no qual pode-se apreciar um quarteto dando muito de si (e para si) sem seguir um só caminho. O ouvinte pode escolher por qual seguir ou tentar acompanhar todos se uma vez – se conseguir! Uma boa canção para se ouvir muitas vezes e aprender todas as rotas.

O piano solo de Moran em “Cradle Song” encontra sons sobrepostos, que por vezes parecem passos ou ranhuras em uma superfície. O fato é que a bela melodia é introspectiva e não sofre variações em sua estrutura e que Moran segue inventivo em sua intenção de misturar jazz com qualquer outra coisa, nem que seja apenas barulho! Exatamente como ele faz nessa canção.

“Artists Ought To Be Writing” é a primeira oração do discurso que inicia essa canção, que trata do papel do artista na sociedade. À medida que a voz sampleada de Adrian Piper vai perdendo intensidade, o piano de Moran cresce em uma intrincada e rica melodia. Ao sobrepor o instrumento ao discurso, o compositor indica que o artista ganha sua força com a obra em si, que o recurso do debate artístico é importante, porém esse não existiria sem os criadores e seus produtos.

“Refraction 1” é outra peça experimental de Moran, que toca uma melodia bem marcada em seu tema central, enquanto Joan Jonas faz uso de percussão, sinos, shakers e outros objetos/instrumentos para obter um efeito semelhante ao barulho urbano e ao ruído das ruas. A sonoridade de Moran parece sempre atravessada pelo barulho que não pode ser contido, pela falta de sossego das cidades grandes, onde o som de um piano parece atrapalhar a rotina do ir e vir de milhares de pessoas, onde as notas musicais parecem agredir a balbúrdia.

“Arizona Landscape” é um belo solo de Moran ao piano, que sustenta o ritmo com uma mão e expande a melodia com a outra. Uma agradável canção, que faz o ouvinte nem sentir falta de um baixo e de uma bateria, pois sozinho o pianista consegue preencher todos os espaços.

A mais longa canção do álbum, “Rain”, traz os recursos percussivos (djembe, kora) de Abdou Mboup, associados ao dedilhar do violão de Sewell, enquanto o trompetista Ralph Alessi conduz uma melodia com tons melancólicos, que ao ganhar dinamismo e velocidade, muda completamente o rumo musical. A bateria de Waits, o baixo de Mateen e o piano de Moran puxam um post-bop vigoroso e empolgante que atinge o ápice de todo o álbum.

“Lift Ev'ry Voice and Sing” apresenta uma agradável confluência de todos os instrumentos através de uma canção que adiciona um pouco mais de balanço e tem na guitarra de Sewell um destaque, pois o instrumento parece simular as vozes que se erguem e cantam, conforme sugere o título da faixa.

A décima e última faixa do álbum é “He Puts on His Coat and Leaves”, na qual Moran, novamente solo ao piano, executa com muita precisão um tema introspectivo com ares de despedida e muita beleza artística. São quase cinco minutos que passam tão rápido, mas que deixam a vontade de ouvir um pouco mais dessa adorável melodia, mas como nos indica o título, já é hora de vestir o casaco e partir.

Definitivamente Artist in Residence é um álbum que exige bastante familiaridade do ouvinte com jazz, pois Jason Moran não apenas compôs canções para preencher uma gravação, mas fez questão de experimentar novos rumos para o jazz em uma tentativa de expandir suas fronteiras até um ponto em que se questione se o que é tocado realmente é jazz. E é jazz o tempo todo, mas não apenas jazz, pois é jazz e algo mais. A mente criativa de Moran é responsável por um álbum de grande valor artístico, ainda que possa não ser totalmente apreciado inicialmente, pois exige um pouco mais do ouvinte.

Todos os músicos que participaram do álbum:
Jason Moran: piano;
Marvin Sewell: guitarra (1, 2, 3, 8, 9);
Tarus Mateen: baixo (1, 2, 3, 8, 9);
Nasheet Waits: bateria (1, 2, 3, 8, 9);
Alicia Hall Moran: vocais (2);
Adrian Piper: voz sampleada (1, 5);
Joan Jonas: percussão, efeitos sonoros, sinos, claves, shaker (6);
Abdou Mboup: djembe, kora, talking drum (8);
Ralph Alessi: trompete (8).

Faixas de Artist in Residence:
01. Break Down [Moran] 3:17
02. Milestone [Moran] 3:34
03. Refraction 2 [Moran] 3:52
04. Cradle Song [VanWeber] 4:27
05. Artists Ought to Be Writing [Moran] 3:49
06. Refraction 1 [Moran] 6:16
07. Arizona Landscape [Moran] 3:07
08. Rain [Moran] 11:53
09. Lift Ev'ry Voice and Sing [Johnson, Johnson] 4:53
10. He Puts on His Coat and Leaves [Moran] 4:52

Ouça um pouco de Artist in Residence no site da gravadora Blue Note.

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Traga o seu chapéu para a festa de Will Bernard

2008-08-23T14:11:00.008-03:00

Lançado em 2007 pela gravadora Palmetto, o álbum Party Hats do guitarrista Will Bernard é uma boa opção para quem gosta de um tipo de jazz que extrapola os seus próprios limites. A sonoridade disposta nesse CD é alicerçada na soul music, no jazz-funk e no fusion. Apesar de sua qualidade, tenho certeza que esse álbum não irá agradar àqueles que abominam misturas de jazz com outros gêneros musicais. Aviso: nem tudo que você ouvirá nesse CD é jazz. Mente aberta é necessária para seguir adiante. Você foi avisado!

A começar pela primeira faixa de Party Hats, “Share the Sea”, prepare-se para ouvir uma gostosa fusão de jazz com funk e soul que se mantém até o final do álbum. Essa canção inicial tem muito balanço obtido principalmente pela ginga de Will Bernard com sua guitarra e pelo Hammond B3 de Wil Blades, que são muito bem escorados no baixo de Keith McArthur, na percussão de Josh Jones e na bateria de Jan Jackson. Os sopros e metais, nos quais incluem-se aí o sax alto de Cochemea Gastelum, o sax tenor de Joe Cohen, o trompete de Mike Olmos e o trombone de Adam Theis, trabalham tanto com solos distorcidos, mas complementares, quanto marcando um tema central na canção. O resultado é muito balanço e uma vontade muito grande de se mexer.

“White Elephant Sale” tem um ritmo constante, no qual o baixista Ryan Newman e o baterista Jackson fornecem as bases para os solos suingados de Bernard com sua guitarra e de Cohen no sax tenor. Uma canção apenas para compor o disco.

“Ripple Sole” começa com um solo de sax tenor de Peter Apfelbaum, que parece ser um chamado para que os demais músicos adentrem a canção. O que se tem, então, é muito balanço com o hammond B3 de Michael Bluestein, que dá a entrada para um ótimo solo de guitarra de Bernard. As batidas mais pesadas de Paul Spina na bateria dão o ritmo certo para essa canção, que é reconhecidamente um fusion para ser respeitado. Um dos pontos altos do álbum.

Bernard e Blades fazem um dueto à reggae em “Leo’s Cat”, mostrando as influências da world music nas composições do guitarrista. O ritmo lento e cadenciado da canção dá a liberdade para Bernard solar longamente com muita ginga, enquanto Blades faz a complementação e deixa o som mais encorpado com seus efeitos eletrônicos.

A canção que dá nome ao álbum, “Party Hats”, é um bom trabalho coletivo do grupo que tem no ritmo marcado por Jackson e Newman a sustentação para os solados de Bernard e Cohen. Uma canção agradável certamente, mas que não traz surpresas nem brilho.

“Afro Sheen” tem muito balanço a começar pelo estilo mais rápido e pesado de Spina na bateria, pelo swing natural de Bernard nas seis cordas e pelo acompanhamento preciso de Blades, enquanto os metais e sopros com Cohen, Apfelbaum, Olmos e Theis, cada a seu tempo, dão dinamismo à canção e seus breves solos são perfeitamente integrados ao som do grupo. Uma lição de como suingar sem perder o foco na melodia motriz.

Composta por Bernard, Jackson e McArthur, “Chin Up” tem no seu ritmo denso a inclusão dos sopros e metais para compor a levada funky da canção, uma vez que esses instrumentos participam quase vinhetando, até que o trompete de Olmos e o trombone de Theis juntam-se a uma fusão do hammond B3 de Blades com o piano elétrico de Bluestein que levam a melodia a uma quase erupção, causando um crescendo empolgante que se dilui por ele mesmo como uma tempestade que desvia de sua rota.

“Newbie” é um fusion com cara de anos 1970. A baquetadas de Spina dão uma cara mais rockeira para essa canção, que só se confirma com o som do hammond B3, que lembra algo já feito pelo Uriah Heep em algum lugar do passado. O solo agradável de Bernard, mais uma vez cheio de balanço, confirma o que foi dito anteriormente. O saldo final é positivo, pois ao ater-se ao próprio swing, os músicos foram econômicos e não partiram para solos dispersivos que poderiam descaracterizar a canção.

“Foldind Green”, fortemente marcada pela soul music e por elementos funk, encontra no dueto de Bernard e Blades o seu ponto alto. A adição de Dave Ellis no sax tenor dá à canção um gostoso contraponto entre o sopro e o elétrico, mas que poderia ter sido mais explorada. “Rattle Trap” traz alguns dos mesmos elementos da canção anterior, porém dá mais liberdade a Ellis para solar, o que ele faz com muito vigor.

“Penske” retoma a sonoridade mais rockeira com uma base rítmica pesada liderada por Jackson e Newman, que sustenta o avanço de Blades com o seu solo do álbum, enquanto Bernard puxa a melodia impondo seu balanço. Mais uma vez temos um bom momento de fusion em quarteto.

Party Hats recebeu a indicação para o Grammy 2007 como melhor álbum de jazz contemporâneo. Com grandes momentos de muito balanço e descontração, infelizmente, o álbum começa a se tornar repetitivo quando se aproxima do seu final. De qualquer modo, dá uma boa noção de quanto Will Bernard pode se desenvolver como compositor e contribuir para o avanço do jazz no século XXI.

Todos os músicos que participaram do álbum:
Will Bernard: guitarra
Wil Blades: hammond B3
Keith Mcarthur: baixo (1, 7)
Ryan Newman: baixo (2, 3, 4, 5, 6, 8, 9, 10, 11)
Jan Jackson: bateria (1, 2, 4, 5, 7, 11)
Paul Spina: bateria (3, 6, 8, 9, 10)
Cochemea Gastelum: saxofone alto (1)
Joe Cohen: saxofone tenor (1, 2, 5, 6, 7)
Peter Apfelbaum: saxofone tenor, qarqabas, melodica (3, 6, 7)
Dave Ellis: saxofone tenor (9, 10)
Mike Olmos: trompete (1, 6, 7)
Adam Theis: trombone (1, 6, 7)
Josh Jones: percussão (1, 4, 5, 6, 7)
Michael Bluestein: hammond B3 e piano elétrico (3, 7)

Faixas de Party Hats:
01. Share the Sea [Bernard] 5:36
02. White Elephant Sale [Bernard] 4:16
03. Ripple Sole [Bernard] 6:31
04. Leo's Cat [Bernard] 6:19
05. Party Hats [Bernard] 5:05
06. Afro Sheen [Bernard] 6:55
07. Chin Up [Bernard, Jackson, McArthur] 4:56
08. Newbie [Bernard] 4:16
09. Folding Green [Bernard] 4:57
10. Rattle Trap [Bernard] 4:48
11. Penske [Bernard] 4:39

Ouça um pouco do álbum no site oficial de Will Bernard.

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